时装插画已经存在了将近500年,自从有了衣服以后,就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画,绘画和油画,也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益,它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化最后的结果。
接下来,我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。
一.时尚插画的开始
时装插画始于16世纪,当时全球的探索和发现导致人们对世界各个国家的人们的着装而着迷。印制了说明不同社会阶层和文化适合穿着的书籍,以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的社会动荡。
在1520年至1610年之间,出版了200多种这样的版画,蚀刻版画或木刻作品集,其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图,也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师,裁缝师,及其客户所使用,以激发新的设计灵感。
十七世纪的艺术家雅克·卡洛(JacquesCallot)和亚伯拉罕·博斯(AbrahamBosse)都使用现代雕刻技术来制作逼真的时代服装和服饰细节。
这些期刊从1670年代开始在法国和英国开始发行,被认为是第一本时尚杂志,其中包括LeMecureGallant,TheLady'sMagazine,LaGalleriedesModes,LeCabinetdesModes和LeJournaldesDamesetdesModes。在此期间,出版期刊的数量有所增加,这是对市场中越来越渴望了解最新时尚新闻的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初,男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。
二.十九世纪的时尚图样(Thefashionplate)
时装图样(Thefashionplate)在18世纪后期独占鳌头,在巴黎风靡一时,期间诸如HoraceVenet的《IncroyablesetMerveilleuses》等出版物,以及在拿破仑一世时期的乔治·雅克·加丁(Georges-JacquesGatine)雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。
法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛,导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息,并提供了一般的制衣指导。
高级服装定制也是这个阶段出现的(出现在1860年代),时装公司聘请了插画家,他们将与女装设计师直接合作,设计师将织物挂在现场模型上时,插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图,然后可以将其发送给客户。
到19世纪末,手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。时装图样开始使用两个人物,其中一个人物可以从背面或侧面看到,以便可以从更多角度看到服装,从而使复制更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定,以便为观看者提供全面的信息和指导。
三.二十世纪的时尚杂志和插图
二十世纪初期的几十年来,现代意义上的时装插画首次开花。随着最新时装样式的发行变得越来越有利可图,时装插画师的工作成为一种职业。时尚以前是单个艺术家的作品,现在正成为一个行业,以前所未有的数量生产新商品,以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。
法国奢侈杂志《宪报》(Gazettedubonton)于1912年至1925年出版,汇集了一群年轻艺术家,他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝(Iribe)是这些时尚插画家之中的领军人物,为著名的出版物做出了贡献,其中还包括查尔斯·马丁(CharlesMartin),爱德华多·加西亚·贝尼托(EduardoGarciaBenito),乔治·巴比耶(GeorgeBarbier),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape)和翁贝托·布鲁内莱斯基(UmbertoBrunelleschi)。他们为《宪报》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影响,以及装饰艺术风格新的变化。
在美国,大众市场时尚杂志《Vogue》和《Harper'sBazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。Harper'sBazaar杂志与鬼才埃特(Erte)签订了独家合同,该合同从1915年持续到1938年,是出版历史上最长的合同之一。
从1910年到第二次世界大战爆发,《Vogue》杂志的封面始终带有插图。Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦·德莱顿(HelenDryden),乔治·沃尔夫·普朗克(GeorgeWolfPlank),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape),莱恩德克尔(F.X.Leyendecker)创作的艺术品。
第一次世界大战后,欧洲艺术家加入了他们的行列,其中包括爱德华多·贝尼托(EduardoBenito),查尔斯·马丁(CharlesMartin),皮埃尔·布里索(PierreBrissaud)和安德烈·马蒂(AndreMarty)。
四.时尚插画的黄金时代
1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。每个商业艺术家都被认为是时装艺术家,都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地,光泽甚至重量。
摄影和印刷的新技术发展开始将照片的复制直接放置在杂志的页面上,这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初,照片开始成为杂志的首选,Vogue杂志在1936年报道说,摄影封面的销售情况更好,插图开始被放入到内页。
随着1929年股市崩盘后的经济衰退,美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间,美国的服装制造取得了长足的进步,改进了大规模生产方法并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买最新的时装设计,而诸如Vogue和Women'sJournal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。
Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚,摄影使插画家摆脱了对服装进行精确记录的需求,而更倾向于诠释时髦的服装。据该杂志的出版商抱怨说:“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣,他们被忠实地报道当代时尚精神的任何事情所累,因此感到无聊。”
迪奥在1940年代后期的“NewLook”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说,这是一种倒退的风格,回到过去而不是对未来进行展望,但它也象征着回到更加开朗,乐观的时代。
五.时尚插画的毁灭与复兴
到1950年代,时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人,这意味着插画家必须满足于制作内衣和配饰的文章,或从事广告活动。
1960年代,时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失,这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现,1960年代发行了许多此类杂志,所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。
安东尼奥·洛佩兹(AntonioLopez)是这期间唯一在Vogue杂志上定期亮相的艺术家,他的职业生涯始于《女装日报》。
在20世纪下半叶,时装插图一直难以生存,直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如LaModeenpeinture(1982),CondeNast’sVanity(1981)和Visionaire(1991)之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动,特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。
六.今天的时尚插画
介于精美艺术和商业艺术之间,时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时,因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。
摄影术非常擅长记录服装的详细信息,因此插画家的重点不再是服装的精确呈现,而是解释服装和可能的穿着者。在二十世纪末和二十世纪初,由于数字工具和社交媒体平台的支持,它发展出了一系列独特的艺术风格。1990年代,先驱插画师EdTsuwaki,GrahamRounthwaite,JasonBrooks和KristianRussell等在计算机绘图领域开始兴起。
这一时期见证了计算机设计程序AdobePhotoshop和Illustrator的出现,也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计学院和FIT学院开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工制作的“传统”插图一直在复兴,时装插画家经常回望过去的大师,寻求风格灵感。以经典方法为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。
最近,插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。随着社交媒体的使用,时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩,错综复杂的图案和无穷无尽的个性,给人留下深刻的印象。
欢迎围观公号『绘实践』,可免费领取插画师绘画秘籍大礼包,了解世界商业插画价格行情。
时尚元素在时装插画中有哪些应用？可以具体介绍一下吗？时装插画作为现代广告设计当中的一种独特而又古老的视觉传达形式,有着明朗直观的形象,具有真实的生活感和艺术美感,迅速占据了受众的视野,例如文化活动、商业活动、影视文化等领域。时装插画的形式多种多样,可由传播媒体分类,亦可由功能分类。以媒体分类,基本上分为两大部分,即印刷媒体、影视网络媒体。
1.印刷媒体
印刷媒体包括报纸插画、杂志书籍插画、招贴广告插画、产品包装插画、企业形象宣传品插画等。尤其以时尚类杂志为主,其定位目标人群多为女性,其文章大都面向女性读者推广,因此,时装插图中通常是不同风格的独具魅力的女性。而女性热衷于好看符合当下潮流的服饰配搭,所以将女性与时装结合在一起进行插画设计更具时尚性。
2.网络与影视媒体
网络与影视媒体包括网站、游戏、影视剧、广告片等方面的角色设定或界面设计。其中服装插画在各类时尚类网页当中应用十分广泛,而且还会根据网站受众面的不同进行不同风格作品的设计。在游戏方面,伴随着玩家审美素养的提升,对手机游戏画面的视觉要求以及游戏中的情感交互的需求也越来越高。手机游戏既是科技产品,又是具有艺术性的文化产品。一款手游如果想在激烈的市场竞争中脱颖而出,除了在玩法上应该具备创意性外,在美术设计上必须重视游戏人物的角色塑造。时装插画会提升游戏人物角色的个性化与时代性,互联网时代的服装插画不但继承了传统插画的艺术性,还具备现代设计的功能性,成为一种被人们接受的视觉语言和信息传播载体。
综上所述,时装插画设计在现代社会艺术领域内属于十分重要的内容及艺术形式,并且在当前社会中的很多领域得到了十分广泛的应用。时装插画家借助各种绘画工具与高新科技结合,产品更加多元化,参与到了时尚风潮中来,甚至制造时尚风潮,使整个流行时尚走向繁荣。
请问一下现在很流行的时尚插画有什么应用领域呢？可以详细介绍一下吗？时装插画大多数是以艺术欣赏与广告宣传为主要目标,其较为重视绘画技巧的运用与画面的视觉冲击力。整体上,其画面效果更加趋近于绘画艺术,有着极为明显的艺术性和鲜明的个性特征,经常被用在样品宣传和广告海报当中,所起到的作用是引导消费者进行消费,并进行流行风格的预告。
受众在日常生活当中也会关注和收集当前流行的时尚元素,例如,很多插画设计师在进行设计时会大量搜集流行用语和流行色彩,也会关注人物流行彩妆和较为受欢迎的造型,并从这些时尚审美当中进行时尚元素的抽离,将其转化为时装插画设计所需的图形要素,灵活地融入到时装插画当中,如此才能够真正设计出优秀且带有独特艺术性的时尚插画。在创作时通常需要提高其对时尚元素的搜集能力和将流行色融入插画设计的掌控能力。
1.时尚元素的收集
时尚元素是在商业和艺术领域应用广泛,引领各种产品设计和艺术的表现形式。服装的时尚元素它可以是一种廓形也可以是一种搭配方式,甚至可以是一个配件,如玛·穆露比(MarMurube)1979年出生,非常年轻的时候就开始作画,是国际时尚界最著名的插画师之一,她的作品涵盖时尚杂志、广告、产品设计、包装与出版等各个领域,她的作品的特点是有很强的时尚元素,色彩鲜明,非常清新有朝气[2]。建议大家平时收集一些时装杂志,比如《VOGUE》《Tatler》《InStyle》《MarieClaire》《ELLE》等,了解当下流行的时尚元素,进行人物服饰与搭配的临摹,以此来充实自己的创作素材。
2.流行色的应用
流行色与服装材料、款式等多个元素共同组成了服装美,对大部分群体来说,“流行色”是代表时尚的名词,同时也表明了流行的趋势,是可以与时俱变的颜色,其有着流行快但周期短的特点。
一般来讲,流行色不会一成不变,它是色彩应用在某个阶段得到大众的认可、追随与模仿,使之形成某种倾向,就出现了流行色。其总是在一定时间内发生演变。所以,流行色就是流行的风向标,掌握了流行色的风舵,就能引领潮流方向。通过一些著名服装品牌的时装新品发布会就会发现,每年都会设计一个专门说明流行色的发布会,通常流行色不会局限在一种单色上,而是一种有着流行时尚风格的配色。一般而言,服饰的基本色在服饰中所占的比重相对较大,而流行色所占比重较小,因此,在制定和发布下一年度流行色时,往往是采取两种或两种以上的流行色与服饰的基本色共同搭配,使其在保留自我独特性基础上凸显出当前的时尚潮流。如可以准确预测流行色,并将其融入到插画主色调中,则时装插画作品必然会快速被大众所追捧,并被大家记住。