在绘画方面，意大利文艺复兴的现实主义原则首先明确地体现在佛罗伦萨画家马萨乔的作品里。马萨乔(Masaccio，1401—1428)继承和发展了乔托的艺术传统，出色地解决了乔托所提出的绘画上的一些重大课题，他以科学的探究精神，将解剖学、透视学的知识运用于绘画。
文艺复兴盛期的美术家在人文主义思想的影响下，创造出了许多歌颂生活、歌颂英雄的画幅和雕像。他们借神话题材来表现人间的现实生活，对人的无穷创造力进行赞美，表现人对生活充满乐观与信心。这时期的艺术家把技法研究和科学实验结合起来，不仅对艺用解剖学、透视学有较深入地研究，对明暗关系和色调关系也有了准确的把握。
扩展资料：
文艺复兴影响
文艺复兴运动使正处在传统的封建神学的束缚中慢慢解放，人们开始从宗教外衣之下慢慢探索人的价值，作为人，这一个新的具体存在，而不是封建主及宗教主的人身依附和精神依附的新时代。
文艺复兴运动充分肯定人的价值，重视人性，成为人们冲破中世纪的层层纱幕的有力号召。文艺复兴运动对当时的政治，科学，经济，哲学，神学世界观都产生极大影响。是新兴资产阶级在意识形态领域里一场革命风暴，也被称为“出现巨人的时代"。
重要贡献
普遍认为文艺复兴发端于14世纪的意大利，15世纪后期起，扩展到西欧各国，16世纪达到鼎盛。1550年，瓦萨里在其《艺苑名人传》中，正式使用它作为新文化的名称。
此词经法语转写为Renaissance，17世纪后为欧洲各国通用。19世纪，西方史学界进一步把它作为14至16世纪西欧文化的总称。西方史学界曾认为它是古希腊罗马文化艺术的复兴。
参考资料来源：百度百科——文艺复兴
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1：文艺复兴时期简介
文艺复兴时期是指14世纪到16世纪西欧与中欧国家在文化艺术发展史中的一个重要历史时期。它是继古希腊、罗马后的欧洲文化史上的第二个高峰。文艺复兴的原意是在古典规范的影响下，艺术与文学的复兴。其变化的基础就是思想基础关怀人、尊重人，以人为本的世界观。这个世界观是在14世纪通过一系列科学家、思想家和文学家重新对古代文艺的发掘而得以建立的。当时的人们从古文献中发现了对自然和人体价值的重视，使他们对人和自然作出了新的评价。实际上，文艺复兴作为欧洲历史上的一个伟大的转折点，其含义还要宽广的多。人文主义的出现肯定了人是生活的创造者或主人，他们要求文学艺术表现人的思想和感情，科学为人生谋福利，教育发展人的个性，要把思想、感情、智慧都从神权的束缚中解放出来，提倡个性自由以反对人身依附。文艺复兴时期的美术就是在这个基础上发展起来的。
2：意大利早期文艺复兴时期
在15世纪前四分之三左右的岁月中，意大利早期文艺复兴的美术家，摆脱着中世纪的规范，借助理性和科学的知识，力图在美术创作上开拓出新局面，使生动的形象和场景反映在美术作品中，让它成为一种再现性的美术。在绘画领域中，他们进行探索，尽力让二维平面具有三维空间感，并使人物活动立体化，从而实现古希腊人追求过的那种错觉性效果，让人们把美术品当成真实生活的写照，当成可感、可融、可知的事物。这种实践，从佛罗伦萨开始，渐渐在意大利各地展开。体现着新的精神，适应了时代的要求，为盛期文艺复兴的到来，铺平了道路。
（1） 佛罗伦萨早期文艺复兴美术
通过以下的代表人物及作品可以看到佛罗伦萨早期文艺复兴美术的特点：
A：吉贝尔蒂
吉贝尔蒂(Lorenzo Ghiberti，1378--1455)，是一位体现了从哥特式美术向文艺复兴美术过渡的人物。他具有较为广泛的才能，创作活动涉及不同领域，但最大的成就，还是在雕塑领域。 代表作品有《天堂之门》(1424--1452)是为佛罗伦萨洗礼堂大门完成的青铜浮雕。借鉴绘画手法，利用高低不同的凸起，细腻地塑造着一个个人物的形体和面目;利用透视手段来再现人物的位置、空间环境的深度。在人物动作和衣纹的处理上，仍然保留了一些国际哥特式的优美风格。
B：布鲁涅列斯齐
布鲁涅列斯齐(Fillippo Brunelleschi,1377--1446)在开创新道路、新风格方面，做出了更大贡献。他是位多才多艺的人物，最初他从事雕塑和金银工艺制品的创作，是文艺复兴建筑艺术的伟大代表之一。他创造性地把古罗马建筑形式与哥特式结构融汇在一起。架在鼓形座上的教堂窜窿清晰地突出在空中，庄重、轻快、优美，具有强烈的视觉感染力。布鲁涅列斯齐希望使建筑设计建立在数学这门科学的基础上，把比例和谐视为古典建筑的本质。他利用古典建筑语汇获得了明快、单纯、优美、和谐的效果，使建筑具有一种理性的美。他对绘画发展做出了不可估量的贡献。他在线透视方面的研究成果，给新的绘画创作提供了科学依据。借助线透视制造真实空间的错觉，是意大利文艺复兴画家的重大抱负和杰出成就。
C：多纳泰罗
多纳泰罗(Donatello,1386--1466)是意大利早期文艺复兴第一代美术家，也是15世纪最杰出的雕塑家，对古典美术的推崇和借鉴，可以说是文艺复兴意大利美术家的共同特点。多纳泰罗在其一生中，创作了大量生气盎然、庄重从容的雕塑作品。 代表作品： 《大卫》(约1430--1432)是第一件复兴了古代裸体雕像传统的作品。多纳泰罗运用古希腊人创立的对应构图方式，向人们展现一位形体比例和结构都十分准确的少年形象。这位圣经人物不再是概念性的象征，而是一个活灵活现、有血有肉的生命。 《圣乔治像》(1415--1417) 《加塔梅拉达骑马像》(1445-1450)
D: 马萨乔
马萨乔(Masaccio,1401--1428?)在文艺复兴绘画发展历程中却是一位影响重大的关键人物。在他的创作中，彻底摆脱了晚期哥特式绘画的优雅风格和装饰意味，把塑造真实形象和真实空间摆在了首位。
代表作品：《纳税金》(1425--1428)是一幅描绘宗教主题的大型壁画（当时壁画在意大利是十分流行的绘画样式）。不同人物、不同场景，都显得十分真实，富于体积感。人物各自的神态和动作都是从表现他们之间的不同关系和心理状态出发来刻画的。在那些合乎线透视法则的建筑和自然环境中，人物位于各自的位置上，就像生活的真实场面一样。这儿丝毫没有那种强调画面装饰性的安排、追求优美的线条和色彩的国际哥特式绘画的影子，饱满的人物形体也许有点儿笨拙，但却非常实在，直线性的造型节律，加强着壁画的纪念性。真实而有气势，正是马萨乔艺术的特色。
E：阿尔伯蒂
著名的人文主义者阿尔伯蒂(Leon Battista Alberti,1404--1472)学识渊博，是个典型的全才，他非常重视数学这门科学对美术的作用。关心理论问题，不把美术视为纯粹的技艺，而是把它当成智慧的体现，这种态度是文艺复兴时期美术家的普遍态度，他写下了有关绘画、雕塑、建筑的著作，发表于1485年的《建筑十书》对文艺复兴建筑发展产生过相当大的影响。 对方与圆等几何形的偏爱，可以说是这个时代和他本人艺术的特点。
（2） 意大利其它地区早期文艺复兴美术
佛罗伦萨在新的美术发展中发挥着无可否认的重要作用，但在意大利中部和北部的另一些城市中，也涌现出一些杰出的美术家，他们也在扩大新美术的成就和影响方面做出了不小贡献。
A：弗兰切斯卡
弗兰切斯卡(Piero della Francesca，1416?--1492)，是在意大利中部城市从事创作活动的最著名人物。这位富于探究精神的画家也非常重视透视，把它看成是绘画的基础，曾撰写《论绘画中的透视》(1482)。在他一系列的宗教画上，几何形式的人物静静地呆在严格合乎透视法则的建筑和自然环境中，明丽的色彩创造出一种光的氛围，具有庄严静穆的感觉。
代表作品：壁画《真十字架的传说》(1452--1464)和《鞭打基督》(约1456--57)。
B：乔凡尼·贝利尼
乔凡尼·贝利尼(Giovanni Bellini，约1429--1516)是威尼斯15世纪最杰出的画家。在美术史上享有盛名的威尼斯画派，可以说是由他开始的。与强调用线造型和注重构图经营的佛罗伦萨画家不同，也与曼特尼亚不同，乔凡尼·贝利尼是位擅长运用色彩的画家。
代表作品：《心醉神迷的圣芳济各》(约1485)风景占据了绝大部分画面，一切都沫浴在阳光中，美妙的色彩似乎闪动着光泽。借助自然景色来渣染气氛，这种作法后来成为威尼斯画家的基本特色之一。
C：梅西纳
梅西纳(AntoneUo da Messina，约1430--1479)。在肖像画上有着不小的贡献，早期文艺复兴肖像画往往被处理成全侧面的，而他则把表现对象改成侧四分之三的样子，使画中的人物注视着观众，这种更自然、更亲切的方式，成为后来最流行的肖像画模式。梅西纳的作品，笔法柔和，色彩明快，情调宁静。
代表作品：《圣赛巴斯蒂安的殉难》(约1475--1477)。
3：意大利盛期文艺复兴美术
16世纪头25年的意大利，是一个政局紧张、战事几乎连绵不断的时期。正是在这极其动乱的阶段里，盛期文艺复兴艺术形成了。这是一种明朗而又高尚观念的、伟大而又有克制力的艺术，总而言之，就是古典式平衡的艺术。文艺复兴三杰--著名的艺术家达·芬奇(1452--1519年)，米开朗琪罗(1475--1564年)和拉斐尔(1483--1520年)出现了，标志着意大利文艺复兴美术达到光辉灿烂的鼎盛时期。他们每一位都是突出的个人主义者，尽管互相之间产生灵感碰撞的火花，却从未形成一个团体。他们三位都达到了超凡的技巧造诣和完美的心灵、眼与手的配合。不太费力地解决了早期艺术家们为难的问题。他们作品的艺术形式总是美妙地昭示出理智性的内容。 在文艺复兴盛期，以达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔为代表的一批美术家，迸一步完善了15世纪意大利人的探索，使理性与情感、现实与理想在美术品中获得了完美统一，使形与空间的关系获得了高度和谐，从而为再现性的美术确立了一种经典样式，给后世提供了效法的最佳范例。在以后西方美术的发展历程中，无时不感到它的强大影响力。推崇也好，否定也好，都是因为意识到它的存在。通过这些美术家的介绍和作品，您可以看到意大利盛期文艺复兴美术的状况。
（l）：达·芬奇
达·芬奇(Leonardo da Vinci,1452--1519)出生在芬奇镇，或许人类有史以来，还不曾有过达·芬奇这样全面发展的人。他涉猎的领域之广、取得的成就之大，真是令人难以置信。美术只不过是他渴求理解世界的方式之一，并没有占据他的全部时间和精力，但他在这一领域内却获得了惊人成就。把自然科学知识引人美术，是15世纪意大利人的重大贡献，达·芬奇继承了这种传统并大大完善了它。
代表作品：著名的《最后的晚餐》(约1495--1498) 完美的构图、和谐的形与空间、丰富的心理刻划、深刻的人性，昭示着古典美。《蒙娜·丽莎》(约1503--1506) 达·芬奇历时数年绘制的这幅半身像，他把这位商人妻子处理成两手自然交搭，身躯和头部不同程度侧转的方式，既克服了单调又显得从容。蒙娜·丽莎富于实体感的血肉之躯及神秘的微笑，与宛如中国山水一般的淡远背景结合在一起，给人留下无限遐想的余地，使后人可以进行不同的阐释。这种像现实生活一样复杂丰富、让人一言难尽的感觉，恰是最伟大的文艺作品特有的品质，为后人确立了一种半身肖像画模式。
（2）：米开朗琪罗
西方最伟大的雕刻家米开朗琪罗(Michelangelo Buonarroti,1475--1564)。在致力于领悟古人成就时，也致力于解剖人体，研究人体的结构和运动，这使他成为量充分发挥人体．表现力的美术家之一。不同于充满深遂智慧之美的达·芬奇的艺术，米开朗琪罗的作品以力量和气势见长，具有一种雄浑壮伟的英雄精神。或许，他是一位最接近贝多芬境界的美术家。在他的雕塑上，在他的绘画中，一个个巨人般的宏伟形象挺立起来，就连他塑造的女性形象，也都具有刚勇的气概，仿佛是神话中的阿玛宗女子。
代表作品：雕像《大卫》(1501--1504)，是美术史中最为人们熟悉的不朽杰作，也是最鲜明展示盛期文艺复兴意大利美术特点的作品。在用一块久被弃置的名贵石材雕刻大卫形象时，他真正实现了把生命从石头中释放出来的理想，以精湛的技巧、强烈的信心，雕凿出这尊完美的英雄巨像。
(3)：拉斐尔
拉斐尔(Raphael Sanzio,1483--1520)，作品一直被人们视为古典美术精神最完美的体现。安格尔称他是绘画之神。拉斐尔是西方美术史上最擅长塑造圣母形象的大师。他那一系列圣母像，把感性美与精神美和谐无间地统一起来，从而传达出人类的美好愿望和永恒感情。平易近人、亲切自然是拉斐尔作品的最大特色。在他笔下，深刻的知识和精心的推敲全溶在用流利线条构成的轻松自如的艺术世界中，一切都仿佛是天性的自然流露，是一派天籁之声。纯真优美、庄重自然、明快清晰、和谐简洁，这些古典美术最推重的品质，在拉斐尔身上获得了最鲜明的体现。因而，那些推崇古典风尚的美术家，都把他当成理想的楷模，恰如雷诺兹说的:他本人成为所有后代画家的样板。
代表作品：《美丽的女园丁》(约1606)，拉斐尔以圆润流畅的线条把圣母、耶稣和圣约翰的优美形象和谐地组合起来，创造出充满人间气息的、亲切的神的世界。这一世界远离了中世纪的精神，它那纯洁、明朗、单纯、自然的情韵更接近希腊的精神。
(4) :提香和威尼斯画派的杰出代表
在意大利文艺复兴美术的发展中，佛罗伦萨、罗马发挥着极为重要的作用，大部分15世纪的美术家，都是在这两座城市中活动的。其他城市如威尼斯这座意大利北方的城市，曾是东西方贸易的中心，它的共和政体，它的商业气氛，使它的社会生活中洋溢着浓重的世俗色彩和欢乐情调。在这种独特的形势下，威尼斯美术也呈现出与佛罗伦萨、罗马不同的独特面貌。它的绘画，大大发挥了富于感官魅力的色彩的表现力，与重视线条和素描的佛罗伦萨、罗马绘画颇有差异。
A：提香
提香(Titian,1488/90--1576)以其漫长一生的丰富创作，成为威尼斯画坛的泰斗。他在实践中创造出了洋溢着欢乐气息、生机盎然、富丽堂皇的风格。成为与达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔一起象征盛期文艺复兴意大利美术光辉成就的主要代表人物。
代表作品 《戴荆棘冠的基督》(约1570) ，威尼斯画派画家素以擅长用色著称，构成他作品魅力的主要因素，就是色彩。这是佛罗伦萨美术家与威尼斯美术家间的差异。这种差异，往往使后代油画家能更直接地从提香等威尼斯画家作品中获得技法上的启示。油画这种能发挥光色表现力的形式，在意大利，是由提香等人完善起来的。在提香晚年的作品中，油画语言的特点得到淋漓尽致的发挥。创作时，他运用阔大奔放的笔触涂抹着不同的色彩，用它们来塑造形体、渲染气势。在这儿已没有了清晰的形与线，也没有了以往他作品中的明朗欢快气息。浑厚凝重的色彩配置，成为表现强烈悲剧情调的有力武器。在这件展示提香炉火纯青的油画技法的作品中，我们可以看到他在精神和语言方面的发展变化。
（5）其它地区的美术家
A：萨托
萨托(Andrea del Sarto,1486--1530)真实姓名安德烈亚·达格诺罗·狄·弗兰切斯柯。文艺复兴三杰离开佛罗伦萨后，萨托就成为当地最著名的画家。萨托是位精于造型和用光的画家，他的精湛技巧为他赢得了完美画家的称号。
代表作品，是祭坛画《哈匹圣母》(1517)。那庄严的古典式构图和那典雅的形象，均具有盛期文艺复兴美术的特征，然而在光线处理上却有一种不尽相同的意味。
4：样式主义美术
达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔等大师创作的一大批光辉灿烂的美术品，确立了一种完美的典范。在人们眼中，它们是最理想最完善的化身，后来的美术家面对它们不禁有面对沧海之感。意大利一些年轻美术家，受到米开朗琪罗、拉斐尔创作的鼓舞，不顾他们作品的内在精神，希图仿效和发展他们的风格;另一些更有才能和抱负的人，则致力于形式语言上有所变化、有所创新，注重在作品中显示他们自己的特点。总的看来，他们的创作背离了盛期文艺复兴美术的理想和基本原则，抛掉了它那种自然、和谐、单纯的艺术风貌。他们追求一种视觉效果独特的、形式感很强的风格。出自他们手中的作品，往往带有刻意雕琢、冷漠疏远的味道，颇具主观与幻想的色彩。但对那些口味别致的人来说，它们倒是相当有魅力的东西。这一美术现象，流行于盛期文艺复兴之后，巴洛克时代之前，史家称之为样式主义美术。国人也有据西文译成风格主义或矫饰主义美术的。佛罗伦萨是样式主义美术的发源地和最重要的中心。在萨托门下，出现了样式主义早期代表庞多尔莫和罗素。
（1）庞多尔莫
庞多尔莫(Pontormo,1494--1557)本名雅各布·卡鲁西，具有鲜明个人风格，他的作品显示出更多新因素。
代表作品 《基督下十字架》(约1526--1528)，塞满画面的人物几乎全平贴在前景上，这些色彩轻淡、线条流利的人物仿佛像云朵一样飘在没有真实空间感的虚空中。他们缺乏体积感和重量感，就像单薄的剪纸一样。整个画面洋溢着一种梦幻般的感觉，一种非现实的意味。
（2）罗素
罗素(Giovanni Battista Rosso Fiorentino，1495--1540)是位颇有才气、风格独特的画家。罗素曾应热爱意大利美术的法国国王法朗梭瓦一世邀请在法国工作，从而把样式主义留在了枫丹白露，影响着法国美术的面貌。
代表作品 《基督下十字架》(1521)，虽与庞多尔莫上述名作题材相同，但却有自身的特色。几何形十字架、梯子和有棱有角的生硬人物形象组成了一个停滞凝固的绘画世界。画面上所有人物都仿佛中了妖法一样僵立在那儿，造成一种奇特的、惊恐不安的感觉，从而强化了作品的悲剧意味。
（3）布隆基诺
佛罗伦萨画家布隆基诺(Agnolo Bronzino,1503--1572)，是样式主义全盛期的代表人物。他在庞多尔莫教导下，形成了自己的风格。他的作品，素以笔法精致、感情冷漠、色彩刺目著称。
代表作品： 《托莱多的埃莱诺拉及其子乔凡尼·德·美第奇》(约1550)，就是鲜明体现他画风的完美例证。暗蓝色背景衬托着衣饰华丽的静止人物，刻画得十分精细的贵妇人神态冷漠，就像瓷人一样，具有冷冰冰的高雅气派。
5：意大利以外地区的文艺复兴美术
欧洲的文艺复兴运动发源于意大利，在其影响之下，西欧各国也都先后萌发了文艺复兴。由于地理、历史、民俗传统等诸因素的差异，这些国家的美术受中世纪哥特式艺术传统的熏陶，宗教气息十分浓厚。文艺复兴精神在这里更多地体现为对世俗风情的描绘。与同一时期的意大利相比，它们的美术作品虽然缺少意大利文艺复兴美术所特有的那种磅礴的气势，但尼德兰、德国、法国、西班牙等部为欧洲文艺复兴美术的发展作出了各自的贡献。
（1）尼德兰文艺复兴美术
尼德兰一词意为低凹的土地，它所指的地区，大体包括现今的荷兰、比利时、卢森堡和法国东北部。 尼德兰的美术活动最初与法国有着密切的联系。14世纪时有许多尼德兰美术家受雇于法国宫廷，他们除了将尼德兰的美术风格带到法兰西外，同时也接受流行于法国的意大利美术风格的影响。百年战争(1337--1453)之后，勃良第首府迁入佛兰德斯境内，尼德兰文艺复兴美术开始在改造和发展晚期哥特式艺术的过程中发展起来。 佛兰德斯是14世纪尼德兰美术家主要的活动区域。在那里他们曾用绘画、雕刻来装饰教堂、宫廷和市政建筑，但这些作品大多遭到破坏，遗存极少。14世纪末，尼德兰出现了著名的雕刻家斯吕特(Claus Sluter，约135/1360--1405)。有关他的生平和早期的美术活动已无从考查，然而他为第戎修道院所作的精美雕刻《摩西井》，以出色的写实技巧一直为后世所称道。《摩西井》作于1395--1403年间，原是一个巨大的十字架的基座，呈六边形，每边装饰有比真人还大的先知雕像。其中有手执诫律的摩西，魁伟庄严的大卫以及秃顶的以赛亚等人。这些人物雕像个性鲜明，艺术手法简洁写实。饱满健壮的形体，流畅飘逸的线条，使其成为尼德兰雕刻艺术中的上乘之作，并给绘画艺术以有力的影响。 尼德兰文艺复兴美术最初的奠基人是凡·埃克兄弟。他们绘制的《根特祭坛画》(1415--1433)是尼德兰早期文艺复兴美术中著名的杰作。
（2）德国文艺复兴美术
德国文艺复兴美术发端于15世纪，滞后于同时期的意大利与尼德兰美术。这主要是因为德国当时依然处于封建割据状态，微弱的王权不能给这些极分散的城市以有力的保护，哥特式美术依然占居主要地位。1420年至1540年间，德国出现了文艺复兴，一些经济发达的城市成为诸地方美术流派的中心。 德国文艺复兴初期的绘画与雕刻受晚期哥特式美术中某些因素的影响，宗教祭坛画较为发达。画在木板上的单幅或多联的祭坛画被安置在肃穆的教堂中，以增加庄严的气氛。15世纪中叶开始，德国美术家表现出对人的生活环境的关注，喜欢描绘自然环境，人物造型则强调真实感。画家维茨(KonradWitz，约1414--1446)即是这方面的代表。他的《基督踏海》(又名《捕鱼的奇迹》)描绘了博登湖的真实景色，虽为传统的宗教题材，画面却十分生动自然。这时期有名的美术家还有施恩告尔(Martin Schongauer,1445/1450--1491)等，他们可称为德国文艺复兴美术的先驱者。 德国文艺复兴美术应该说以版画成就最为突出，对整个欧洲的美术都产生过积极的影响。在早期名画家中，施恩告尔的铜版画居于领导潮流的地位。他的后继者，德国文艺复兴大师丢勒则使铜版画得到进一步的发展和完善。 德国文艺复兴第二代最杰出的画家是小荷尔拜因(HansHolbein the Younger,约1497--1543)。他早年随父学艺，与人文主义学者有着广泛的交往。荷尔拜因的艺术风格以冷静、客观著称，他大量的肖像画，准确地记录了16世纪各种人物的外貌及心理特征。现藏罗浮宫的《伊拉斯漠像》(约1523)是他的肖像画精品。作者精心处理画面的明暗关系，着力描绘画中人物的面部、双手与文稿，一位容智的人文主义学者的风采显露无遗。荷尔拜因的素描作品也极为出色，线条简约完美，虽然几乎不涂明暗，但却能充分表现体积和质感。1532年以后画家定居伦敦，成为英国国王亨利八世的宫廷画家，为英国绘画的发展作出了贡献。
（3）法国文艺复兴美术
百年战争以后，法国收复了被英国占据的领土，形成了统一的局面，为民族文化的发展创造了条件。 卢瓦尔河谷地是法国宫廷建筑的诞生地。法王查理八世、路易十二和法朗索瓦一世等都曾在那里兴建了大量的贵族府邸、猎场。其中著名的有舍农索府、尚博尔宫等。这些豪华建筑是新的风格和古老的传统相结合的产物。 自从16世纪30年代开始，意大利艺术家来到法国参加枫丹白露的建筑工程，使得法国文艺复兴建筑进入了新的发展阶段。1530年，意大利样式主义画家罗素来到枫丹白露从事装饰工作。罗索为了适应法国宫廷趣味，画风有所变化，人体除了仍被拉长外，画面显得格外精致优美。当地的雕刻家和画家在他及其它意大利样式主义画家的领导下进行枫丹白露宫的装饰，逐渐形成了枫丹白露派。这个流派创造了灰泥高浮雕与绘画相结合的新的装饰效果，追求优雅、抚媚。以著名的法朗索瓦一世长廊为例，绘画周围的高浮雕人物仿佛要从墙壁上跳出来。另外，缠绕在画框边上的如皮革般卷曲折叠的装饰母题也是由他们始创的，后来在整个欧洲都十分流行。 法国文艺复兴绘画及雕刻则起步较晚。15世纪驰名法国的大画家是富凯(Jean Fouquet，约1420--1477)，他是法国早期绘画的骄傲，后来的法国艺术的发展颇具影响。富凯在艺术上是一位多面手，他留下的作品有油画、细密面、珐琅制品和一些素描。墨伦双联面中的《圣母子》(约1450)是他的重要作品。 16世纪的法国肖像画占有突出的地位，有名的画家是克卢埃父子。让·克卢埃(Jean Clouet，约1485/90--约1540/41)是法朗索瓦一世的宫廷画师和侍臣，他描绘了不少当时的显贵名流。《法朗索瓦一世像》(约1525--30)是他的成功之作。他的儿子法朗索瓦·克卢埃(Frangois CloueL约1510--1572)也是一位颇受宫廷欢迎的肖像画家，《奥地利的伊莉沙白像》(1571)是他最优秀的一件作品。从克卢埃父子的作品中可以看出他们娴熟的绘画技法和善于捕捉人物神态、善于表现个性的能力，这也是法国肖像画家的长处。 雕刻方面的主要代表是古戎和皮隆(GermainPilon，约1525--1590)。古戎的杰作足他为巴黎贞洁泉所作的六块浮雕《山林水泽女神》(1549)。作品取材干古希腊神话故事，古戎以精湛的技巧刻划了女神们的轻盈的姿态。人物造型充满活力，虽然构图的空间狭小，但无任何局促之感。雕刻家对衣纹的处理十分自然流畅，将女性的韵味展现得无比完美，整个浮雕洋溢着清新的古典气息。
（4）西班牙文艺复兴美术
西班牙文艺复兴美术最早出现在加泰罗尼亚和巴伦西亚。15世纪，这两个地区资本主义萌芽较早出现，在艺术上与意大利、尼德兰交流密切。但真正代表西班牙文艺复兴美术最高峰的是16世纪下半叶著名画家埃尔·格列柯(El Greco，1541--1614)。有名的如《圣家族》、《基督诞生》等。 格列何是一位有争议的画家，他以色彩和光线为主要表现手段，拉长的人物体态带有神经质的不安情绪，反映了没落贵族的忧郁的心灵。他的伟大之处还在于揭示了社会的矛盾，以哲学家一般犀利眼光洞察到了西班牙的危机。格列柯的艺术很长时期以来未被美术史家们肯定，直到本世纪初，人们又重新开始研究这位大师，日益发现他那独特画风的动人魅力，把他视为样式主义的最伟大代表。本回答被提问者采纳
文艺复兴时期是指14世纪到16世纪西欧与中欧国家在文化艺术发展史中的一个重要历史时期。它是继古希腊、罗马后的欧洲文化史上的第二个高峰。文艺复兴的原意是在古典规范的影响下，艺术与文学的复兴。其变化的基础就是思想基础关怀人、尊重人，以人为本的世界观。这个世界观是在14世纪通过一系列科学家、思想家和文学家重新对古代文艺的发掘而得以建立的。当时的人们从古文献中发现了对自然和人体价值的重视，使他们对人和自然作出了新的评价。实际上，文艺复兴作为欧洲历史上的一个伟大的转折点，其含义还要宽广的多。人文主义的出现肯定了人是生活的创造者或主人，他们要求文学艺术表现人的思想和感情，科学为人生谋福利，教育发展人的个性，要把思想、感情、智慧都从神权的束缚中解放出来，提倡个性自由以反对人身依附。文艺复兴时期的美术就是在这个基础上发展起来的。
2：意大利早期文艺复兴时期
在15世纪前四分之三左右的岁月中，意大利早期文艺复兴的美术家，摆脱着中世纪的规范，借助理性和科学的知识，力图在美术创作上开拓出新局面，使生动的形象和场景反映在美术作品中，让它成为一种再现性的美术。在绘画领域中，他们进行探索，尽力让二维平面具有三维空间感，并使人物活动立体化，从而实现古希腊人追求过的那种错觉性效果，让人们把美术品当成真实生活的写照，当成可感、可融、可知的事物。这种实践，从佛罗伦萨开始，渐渐在意大利各地展开。体现着新的精神，适应了时代的要求，为盛期文艺复兴的到来，铺平了道路。
（1） 佛罗伦萨早期文艺复兴美术
通过以下的代表人物及作品可以看到佛罗伦萨早期文艺复兴美术的特点：
A：吉贝尔蒂
吉贝尔蒂(Lorenzo Ghiberti，1378--1455)，是一位体现了从哥特式美术向文艺复兴美术过渡的人物。他具有较为广泛的才能，创作活动涉及不同领域，但最大的成就，还是在雕塑领域。 代表作品有《天堂之门》(1424--1452)是为佛罗伦萨洗礼堂大门完成的青铜浮雕。借鉴绘画手法，利用高低不同的凸起，细腻地塑造着一个个人物的形体和面目;利用透视手段来再现人物的位置、空间环境的深度。在人物动作和衣纹的处理上，仍然保留了一些国际哥特式的优美风格。
B：布鲁涅列斯齐
布鲁涅列斯齐(Fillippo Brunelleschi,1377--1446)在开创新道路、新风格方面，做出了更大贡献。他是位多才多艺的人物，最初他从事雕塑和金银工艺制品的创作，是文艺复兴建筑艺术的伟大代表之一。他创造性地把古罗马建筑形式与哥特式结构融汇在一起。架在鼓形座上的教堂窜窿清晰地突出在空中，庄重、轻快、优美，具有强烈的视觉感染力。布鲁涅列斯齐希望使建筑设计建立在数学这门科学的基础上，把比例和谐视为古典建筑的本质。他利用古典建筑语汇获得了明快、单纯、优美、和谐的效果，使建筑具有一种理性的美。他对绘画发展做出了不可估量的贡献。他在线透视方面的研究成果，给新的绘画创作提供了科学依据。借助线透视制造真实空间的错觉，是意大利文艺复兴画家的重大抱负和杰出成就。
C：多纳泰罗
多纳泰罗(Donatello,1386--1466)是意大利早期文艺复兴第一代美术家，也是15世纪最杰出的雕塑家，对古典美术的推崇和借鉴，可以说是文艺复兴意大利美术家的共同特点。多纳泰罗在其一生中，创作了大量生气盎然、庄重从容的雕塑作品。 代表作品： 《大卫》(约1430--1432)是第一件复兴了古代裸体雕像传统的作品。多纳泰罗运用古希腊人创立的对应构图方式，向人们展现一位形体比例和结构都十分准确的少年形象。这位圣经人物不再是概念性的象征，而是一个活灵活现、有血有肉的生命。 《圣乔治像》(1415--1417) 《加塔梅拉达骑马像》(1445-1450)
D: 马萨乔
马萨乔(Masaccio,1401--1428?)在文艺复兴绘画发展历程中却是一位影响重大的关键人物。在他的创作中，彻底摆脱了晚期哥特式绘画的优雅风格和装饰意味，把塑造真实形象和真实空间摆在了首位。
代表作品：《纳税金》(1425--1428)是一幅描绘宗教主题的大型壁画（当时壁画在意大利是十分流行的绘画样式）。不同人物、不同场景，都显得十分真实，富于体积感。人物各自的神态和动作都是从表现他们之间的不同关系和心理状态出发来刻画的。在那些合乎线透视法则的建筑和自然环境中，人物位于各自的位置上，就像生活的真实场面一样。这儿丝毫没有那种强调画面装饰性的安排、追求优美的线条和色彩的国际哥特式绘画的影子，饱满的人物形体也许有点儿笨拙，但却非常实在，直线性的造型节律，加强着壁画的纪念性。真实而有气势，正是马萨乔艺术的特色。
E：阿尔伯蒂
著名的人文主义者阿尔伯蒂(Leon Battista Alberti,1404--1472)学识渊博，是个典型的全才，他非常重视数学这门科学对美术的作用。关心理论问题，不把美术视为纯粹的技艺，而是把它当成智慧的体现，这种态度是文艺复兴时期美术家的普遍态度，他写下了有关绘画、雕塑、建筑的著作，发表于1485年的《建筑十书》对文艺复兴建筑发展产生过相当大的影响。 对方与圆等几何形的偏爱，可以说是这个时代和他本人艺术的特点。
（2） 意大利其它地区早期文艺复兴美术
佛罗伦萨在新的美术发展中发挥着无可否认的重要作用，但在意大利中部和北部的另一些城市中，也涌现出一些杰出的美术家，他们也在扩大新美术的成就和影响方面做出了不小贡献。
A：弗兰切斯卡
弗兰切斯卡(Piero della Francesca，1416?--1492)，是在意大利中部城市从事创作活动的最著名人物。这位富于探究精神的画家也非常重视透视，把它看成是绘画的基础，曾撰写《论绘画中的透视》(1482)。在他一系列的宗教画上，几何形式的人物静静地呆在严格合乎透视法则的建筑和自然环境中，明丽的色彩创造出一种光的氛围，具有庄严静穆的感觉。
代表作品：壁画《真十字架的传说》(1452--1464)和《鞭打基督》(约1456--57)。
B：乔凡尼·贝利尼
乔凡尼·贝利尼(Giovanni Bellini，约1429--1516)是威尼斯15世纪最杰出的画家。在美术史上享有盛名的威尼斯画派，可以说是由他开始的。与强调用线造型和注重构图经营的佛罗伦萨画家不同，也与曼特尼亚不同，乔凡尼·贝利尼是位擅长运用色彩的画家。
代表作品：《心醉神迷的圣芳济各》(约1485)风景占据了绝大部分画面，一切都沫浴在阳光中，美妙的色彩似乎闪动着光泽。借助自然景色来渣染气氛，这种作法后来成为威尼斯画家的基本特色之一。
C：梅西纳
梅西纳(AntoneUo da Messina，约1430--1479)。在肖像画上有着不小的贡献，早期文艺复兴肖像画往往被处理成全侧面的，而他则把表现对象改成侧四分之三的样子，使画中的人物注视着观众，这种更自然、更亲切的方式，成为后来最流行的肖像画模式。梅西纳的作品，笔法柔和，色彩明快，情调宁静。
代表作品：《圣赛巴斯蒂安的殉难》(约1475--1477)。
3：意大利盛期文艺复兴美术
16世纪头25年的意大利，是一个政局紧张、战事几乎连绵不断的时期。正是在这极其动乱的阶段里，盛期文艺复兴艺术形成了。这是一种明朗而又高尚观念的、伟大而又有克制力的艺术，总而言之，就是古典式平衡的艺术。文艺复兴三杰--著名的艺术家达·芬奇(1452--1519年)，米开朗琪罗(1475--1564年)和拉斐尔(1483--1520年)出现了，标志着意大利文艺复兴美术达到光辉灿烂的鼎盛时期。他们每一位都是突出的个人主义者，尽管互相之间产生灵感碰撞的火花，却从未形成一个团体。他们三位都达到了超凡的技巧造诣和完美的心灵、眼与手的配合。不太费力地解决了早期艺术家们为难的问题。他们作品的艺术形式总是美妙地昭示出理智性的内容。 在文艺复兴盛期，以达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔为代表的一批美术家，迸一步完善了15世纪意大利人的探索，使理性与情感、现实与理想在美术品中获得了完美统一，使形与空间的关系获得了高度和谐，从而为再现性的美术确立了一种经典样式，给后世提供了效法的最佳范例。在以后西方美术的发展历程中，无时不感到它的强大影响力。推崇也好，否定也好，都是因为意识到它的存在。通过这些美术家的介绍和作品，您可以看到意大利盛期文艺复兴美术的状况。
（l）：达·芬奇
达·芬奇(Leonardo da Vinci,1452--1519)出生在芬奇镇，或许人类有史以来，还不曾有过达·芬奇这样全面发展的人。他涉猎的领域之广、取得的成就之大，真是令人难以置信。美术只不过是他渴求理解世界的方式之一，并没有占据他的全部时间和精力，但他在这一领域内却获得了惊人成就。把自然科学知识引人美术，是15世纪意大利人的重大贡献，达·芬奇继承了这种传统并大大完善了它。
代表作品：著名的《最后的晚餐》(约1495--1498) 完美的构图、和谐的形与空间、丰富的心理刻划、深刻的人性，昭示着古典美。《蒙娜·丽莎》(约1503--1506) 达·芬奇历时数年绘制的这幅半身像，他把这位商人妻子处理成两手自然交搭，身躯和头部不同程度侧转的方式，既克服了单调又显得从容。蒙娜·丽莎富于实体感的血肉之躯及神秘的微笑，与宛如中国山水一般的淡远背景结合在一起，给人留下无限遐想的余地，使后人可以进行不同的阐释。这种像现实生活一样复杂丰富、让人一言难尽的感觉，恰是最伟大的文艺作品特有的品质，为后人确立了一种半身肖像画模式。
（2）：米开朗琪罗
西方最伟大的雕刻家米开朗琪罗(Michelangelo Buonarroti,1475--1564)。在致力于领悟古人成就时，也致力于解剖人体，研究人体的结构和运动，这使他成为量充分发挥人体．表现力的美术家之一。不同于充满深遂智慧之美的达·芬奇的艺术，米开朗琪罗的作品以力量和气势见长，具有一种雄浑壮伟的英雄精神。或许，他是一位最接近贝多芬境界的美术家。在他的雕塑上，在他的绘画中，一个个巨人般的宏伟形象挺立起来，就连他塑造的女性形象，也都具有刚勇的气概，仿佛是神话中的阿玛宗女子。
代表作品：雕像《大卫》(1501--1504)，是美术史中最为人们熟悉的不朽杰作，也是最鲜明展示盛期文艺复兴意大利美术特点的作品。在用一块久被弃置的名贵石材雕刻大卫形象时，他真正实现了把生命从石头中释放出来的理想，以精湛的技巧、强烈的信心，雕凿出这尊完美的英雄巨像。
(3)：拉斐尔
拉斐尔(Raphael Sanzio,1483--1520)，作品一直被人们视为古典美术精神最完美的体现。安格尔称他是绘画之神。拉斐尔是西方美术史上最擅长塑造圣母形象的大师。他那一系列圣母像，把感性美与精神美和谐无间地统一起来，从而传达出人类的美好愿望和永恒感情。平易近人、亲切自然是拉斐尔作品的最大特色。在他笔下，深刻的知识和精心的推敲全溶在用流利线条构成的轻松自如的艺术世界中，一切都仿佛是天性的自然流露，是一派天籁之声。纯真优美、庄重自然、明快清晰、和谐简洁，这些古典美术最推重的品质，在拉斐尔身上获得了最鲜明的体现。因而，那些推崇古典风尚的美术家，都把他当成理想的楷模，恰如雷诺兹说的:他本人成为所有后代画家的样板。
代表作品：《美丽的女园丁》(约1606)，拉斐尔以圆润流畅的线条把圣母、耶稣和圣约翰的优美形象和谐地组合起来，创造出充满人间气息的、亲切的神的世界。这一世界远离了中世纪的精神，它那纯洁、明朗、单纯、自然的情韵更接近希腊的精神。
(4) :提香和威尼斯画派的杰出代表
在意大利文艺复兴美术的发展中，佛罗伦萨、罗马发挥着极为重要的作用，大部分15世纪的美术家，都是在这两座城市中活动的。其他城市如威尼斯这座意大利北方的城市，曾是东西方贸易的中心，它的共和政体，它的商业气氛，使它的社会生活中洋溢着浓重的世俗色彩和欢乐情调。在这种独特的形势下，威尼斯美术也呈现出与佛罗伦萨、罗马不同的独特面貌。它的绘画，大大发挥了富于感官魅力的色彩的表现力，与重视线条和素描的佛罗伦萨、罗马绘画颇有差异。
A：提香
提香(Titian,1488/90--1576)以其漫长一生的丰富创作，成为威尼斯画坛的泰斗。他在实践中创造出了洋溢着欢乐气息、生机盎然、富丽堂皇的风格。成为与达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔一起象征盛期文艺复兴意大利美术光辉成就的主要代表人物。
代表作品 《戴荆棘冠的基督》(约1570) ，威尼斯画派画家素以擅长用色著称，构成他作品魅力的主要因素，就是色彩。这是佛罗伦萨美术家与威尼斯美术家间的差异。这种差异，往往使后代油画家能更直接地从提香等威尼斯画家作品中获得技法上的启示。油画这种能发挥光色表现力的形式，在意大利，是由提香等人完善起来的。在提香晚年的作品中，油画语言的特点得到淋漓尽致的发挥。创作时，他运用阔大奔放的笔触涂抹着不同的色彩，用它们来塑造形体、渲染气势。在这儿已没有了清晰的形与线，也没有了以往他作品中的明朗欢快气息。浑厚凝重的色彩配置，成为表现强烈悲剧情调的有力武器。在这件展示提香炉火纯青的油画技法的作品中，我们可以看到他在精神和语言方面的发展变化。
（5）其它地区的美术家
A：萨托
萨托(Andrea del Sarto,1486--1530)真实姓名安德烈亚·达格诺罗·狄·弗兰切斯柯。文艺复兴三杰离开佛罗伦萨后，萨托就成为当地最著名的画家。萨托是位精于造型和用光的画家，他的精湛技巧为他赢得了完美画家的称号。
代表作品，是祭坛画《哈匹圣母》(1517)。那庄严的古典式构图和那典雅的形象，均具有盛期文艺复兴美术的特征，然而在光线处理上却有一种不尽相同的意味。
4：样式主义美术
达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔等大师创作的一大批光辉灿烂的美术品，确立了一种完美的典范。在人们眼中，它们是最理想最完善的化身，后来的美术家面对它们不禁有面对沧海之感。意大利一些年轻美术家，受到米开朗琪罗、拉斐尔创作的鼓舞，不顾他们作品的内在精神，希图仿效和发展他们的风格;另一些更有才能和抱负的人，则致力于形式语言上有所变化、有所创新，注重在作品中显示他们自己的特点。总的看来，他们的创作背离了盛期文艺复兴美术的理想和基本原则，抛掉了它那种自然、和谐、单纯的艺术风貌。他们追求一种视觉效果独特的、形式感很强的风格。出自他们手中的作品，往往带有刻意雕琢、冷漠疏远的味道，颇具主观与幻想的色彩。但对那些口味别致的人来说，它们倒是相当有魅力的东西。这一美术现象，流行于盛期文艺复兴之后，巴洛克时代之前，史家称之为样式主义美术。国人也有据西文译成风格主义或矫饰主义美术的。佛罗伦萨是样式主义美术的发源地和最重要的中心。在萨托门下，出现了样式主义早期代表庞多尔莫和罗素。
（1）庞多尔莫
庞多尔莫(Pontormo,1494--1557)本名雅各布·卡鲁西，具有鲜明个人风格，他的作品显示出更多新因素。
代表作品 《基督下十字架》(约1526--1528)，塞满画面的人物几乎全平贴在前景上，这些色彩轻淡、线条流利的人物仿佛像云朵一样飘在没有真实空间感的虚空中。他们缺乏体积感和重量感，就像单薄的剪纸一样。整个画面洋溢着一种梦幻般的感觉，一种非现实的意味。
（2）罗素
罗素(Giovanni Battista Rosso Fiorentino，1495--1540)是位颇有才气、风格独特的画家。罗素曾应热爱意大利美术的法国国王法朗梭瓦一世邀请在法国工作，从而把样式主义留在了枫丹白露，影响着法国美术的面貌。
代表作品 《基督下十字架》(1521)，虽与庞多尔莫上述名作题材相同，但却有自身的特色。几何形十字架、梯子和有棱有角的生硬人物形象组成了一个停滞凝固的绘画世界。画面上所有人物都仿佛中了妖法一样僵立在那儿，造成一种奇特的、惊恐不安的感觉，从而强化了作品的悲剧意味。
（3）布隆基诺
佛罗伦萨画家布隆基诺(Agnolo Bronzino,1503--1572)，是样式主义全盛期的代表人物。他在庞多尔莫教导下，形成了自己的风格。他的作品，素以笔法精致、感情冷漠、色彩刺目著称。
代表作品： 《托莱多的埃莱诺拉及其子乔凡尼·德·美第奇》(约1550)，就是鲜明体现他画风的完美例证。暗蓝色背景衬托着衣饰华丽的静止人物，刻画得十分精细的贵妇人神态冷漠，就像瓷人一样，具有冷冰冰的高雅气派。
5：意大利以外地区的文艺复兴美术
欧洲的文艺复兴运动发源于意大利，在其影响之下，西欧各国也都先后萌发了文艺复兴。由于地理、历史、民俗传统等诸因素的差异，这些国家的美术受中世纪哥特式艺术传统的熏陶，宗教气息十分浓厚。文艺复兴精神在这里更多地体现为对世俗风情的描绘。与同一时期的意大利相比，它们的美术作品虽然缺少意大利文艺复兴美术所特有的那种磅礴的气势，但尼德兰、德国、法国、西班牙等部为欧洲文艺复兴美术的发展作出了各自的贡献。
（1）尼德兰文艺复兴美术
尼德兰一词意为低凹的土地，它所指的地区，大体包括现今的荷兰、比利时、卢森堡和法国东北部。 尼德兰的美术活动最初与法国有着密切的联系。14世纪时有许多尼德兰美术家受雇于法国宫廷，他们除了将尼德兰的美术风格带到法兰西外，同时也接受流行于法国的意大利美术风格的影响。百年战争(1337--1453)之后，勃良第首府迁入佛兰德斯境内，尼德兰文艺复兴美术开始在改造和发展晚期哥特式艺术的过程中发展起来。 佛兰德斯是14世纪尼德兰美术家主要的活动区域。在那里他们曾用绘画、雕刻来装饰教堂、宫廷和市政建筑，但这些作品大多遭到破坏，遗存极少。14世纪末，尼德兰出现了著名的雕刻家斯吕特(Claus Sluter，约135/1360--1405)。有关他的生平和早期的美术活动已无从考查，然而他为第戎修道院所作的精美雕刻《摩西井》，以出色的写实技巧一直为后世所称道。《摩西井》作于1395--1403年间，原是一个巨大的十字架的基座，呈六边形，每边装饰有比真人还大的先知雕像。其中有手执诫律的摩西，魁伟庄严的大卫以及秃顶的以赛亚等人。这些人物雕像个性鲜明，艺术手法简洁写实。饱满健壮的形体，流畅飘逸的线条，使其成为尼德兰雕刻艺术中的上乘之作，并给绘画艺术以有力的影响。 尼德兰文艺复兴美术最初的奠基人是凡·埃克兄弟。他们绘制的《根特祭坛画》(1415--1433)是尼德兰早期文艺复兴美术中著名的杰作。
（2）德国文艺复兴美术
德国文艺复兴美术发端于15世纪，滞后于同时期的意大利与尼德兰美术。这主要是因为德国当时依然处于封建割据状态，微弱的王权不能给这些极分散的城市以有力的保护，哥特式美术依然占居主要地位。1420年至1540年间，德国出现了文艺复兴，一些经济发达的城市成为诸地方美术流派的中心。 德国文艺复兴初期的绘画与雕刻受晚期哥特式美术中某些因素的影响，宗教祭坛画较为发达。画在木板上的单幅或多联的祭坛画被安置在肃穆的教堂中，以增加庄严的气氛。15世纪中叶开始，德国美术家表现出对人的生活环境的关注，喜欢描绘自然环境，人物造型则强调真实感。画家维茨(KonradWitz，约1414--1446)即是这方面的代表。他的《基督踏海》(又名《捕鱼的奇迹》)描绘了博登湖的真实景色，虽为传统的宗教题材，画面却十分生动自然。这时期有名的美术家还有施恩告尔(Martin Schongauer,1445/1450--1491)等，他们可称为德国文艺复兴美术的先驱者。 德国文艺复兴美术应该说以版画成就最为突出，对整个欧洲的美术都产生过积极的影响。在早期名画家中，施恩告尔的铜版画居于领导潮流的地位。他的后继者，德国文艺复兴大师丢勒则使铜版画得到进一步的发展和完善。 德国文艺复兴第二代最杰出的画家是小荷尔拜因(HansHolbein the Younger,约1497--1543)。他早年随父学艺，与人文主义学者有着广泛的交往。荷尔拜因的艺术风格以冷静、客观著称，他大量的肖像画，准确地记录了16世纪各种人物的外貌及心理特征。现藏罗浮宫的《伊拉斯漠像》(约1523)是他的肖像画精品。作者精心处理画面的明暗关系，着力描绘画中人物的面部、双手与文稿，一位容智的人文主义学者的风采显露无遗。荷尔拜因的素描作品也极为出色，线条简约完美，虽然几乎不涂明暗，但却能充分表现体积和质感。1532年以后画家定居伦敦，成为英国国王亨利八世的宫廷画家，为英国绘画的发展作出了贡献。
（3）法国文艺复兴美术
百年战争以后，法国收复了被英国占据的领土，形成了统一的局面，为民族文化的发展创造了条件。 卢瓦尔河谷地是法国宫廷建筑的诞生地。法王查理八世、路易十二和法朗索瓦一世等都曾在那里兴建了大量的贵族府邸、猎场。其中著名的有舍农索府、尚博尔宫等。这些豪华建筑是新的风格和古老的传统相结合的产物。 自从16世纪30年代开始，意大利艺术家来到法国参加枫丹白露的建筑工程，使得法国文艺复兴建筑进入了新的发展阶段。1530年，意大利样式主义画家罗素来到枫丹白露从事装饰工作。罗索为了适应法国宫廷趣味，画风有所变化，人体除了仍被拉长外，画面显得格外精致优美。当地的雕刻家和画家在他及其它意大利样式主义画家的领导下进行枫丹白露宫的装饰，逐渐形成了枫丹白露派。这个流派创造了灰泥高浮雕与绘画相结合的新的装饰效果，追求优雅、抚媚。以著名的法朗索瓦一世长廊为例，绘画周围的高浮雕人物仿佛要从墙壁上跳出来。另外，缠绕在画框边上的如皮革般卷曲折叠的装饰母题也是由他们始创的，后来在整个欧洲都十分流行。 法国文艺复兴绘画及雕刻则起步较晚。15世纪驰名法国的大画家是富凯(Jean Fouquet，约1420--1477)，他是法国早期绘画的骄傲，后来的法国艺术的发展颇具影响。富凯在艺术上是一位多面手，他留下的作品有油画、细密面、珐琅制品和一些素描。墨伦双联面中的《圣母子》(约1450)是他的重要作品。 16世纪的法国肖像画占有突出的地位，有名的画家是克卢埃父子。让·克卢埃(Jean Clouet，约1485/90--约1540/41)是法朗索瓦一世的宫廷画师和侍臣，他描绘了不少当时的显贵名流。《法朗索瓦一世像》(约1525--30)是他的成功之作。他的儿子法朗索瓦·克卢埃(Frangois CloueL约1510--1572)也是一位颇受宫廷欢迎的肖像画家，《奥地利的伊莉沙白像》(1571)是他最优秀的一件作品。从克卢埃父子的作品中可以看出他们娴熟的绘画技法和善于捕捉人物神态、善于表现个性的能力，这也是法国肖像画家的长处。 雕刻方面的主要代表是古戎和皮隆(GermainPilon，约1525--1590)。古戎的杰作足他为巴黎贞洁泉所作的六块浮雕《山林水泽女神》(1549)。作品取材干古希腊神话故事，古戎以精湛的技巧刻划了女神们的轻盈的姿态。人物造型充满活力，虽然构图的空间狭小，但无任何局促之感。雕刻家对衣纹的处理十分自然流畅，将女性的韵味展现得无比完美，整个浮雕洋溢着清新的古典气息。
（4）西班牙文艺复兴美术
西班牙文艺复兴美术最早出现在加泰罗尼亚和巴伦西亚。15世纪，这两个地区资本主义萌芽较早出现，在艺术上与意大利、尼德兰交流密切。但真正代表西班牙文艺复兴美术最高峰的是16世纪下半叶著名画家埃尔·格列柯(El Greco，1541--1614)。有名的如《圣家族》、《基督诞生》等。 格列何是一位有争议的画家，他以色彩和光线为主要表现手段，拉长的人物体态带有神经质的不安情绪，反映了没落贵族的忧郁的心灵。他的伟大之处还在于揭示了社会的矛盾，以哲学家一般犀利眼光洞察到了西班牙的危机。格列柯的艺术很长时期以来未被美术史家们肯定，直到本世纪初，人们又重新开始研究这位大师，日益发现他那独特画风的动人魅力，把他视为样式主义的最伟大代表。本回答被提问者采纳
第2个回答 2006-01-08
第六章 欧洲文艺复兴时期美术
文艺复兴运动是指14世纪下半叶到16世纪首先在意大利开始而又遍及欧洲各地的一次文化变革。“文艺复兴”的原意是“在古典规范的影响下，文学和艺术的复兴”。实际上文艺复兴作为欧洲历史上的一个伟大转折点，其含义还要宽广得多。在经历了封建教会势力的一千多年统治后，人们开始挣脱精神上的奴役，被禁锢多年的古典文化又重新引起人们的重视，并成为驱散中世纪的黑暗、建立新型的资产阶级文化的重要武器。资本主义生产方式的出现不仅动摇了中世纪的社会基础，也确立了个人的价值，肯定了现实生活的积极意义，促进了世俗文化的发展，并在此基础上形成了与宗教神权文化相对立的思想文化——人文主义。
第一节 意大利文艺复兴早期的美术
乔托(Giotto，约1266—1337)是佛罗伦萨画派的创始人，
也是文艺复兴意大利艺术的伟大先驱者之一。乔托的艺术是中世纪与文艺复兴的分界线，他不仅表现出卓越的绘画技巧，同时也奠定了文艺复兴艺术的现实主义基础。
约在1420年，佛罗伦萨的三位著名大师——建筑家布鲁涅列斯基、雕刻家同那太罗和画家马萨乔首先制定了现实主义原则，标志着文艺复兴的来临。
在绘画方面，意大利文艺复兴的现实主义原则首先明确地体现在佛罗伦萨画家马萨乔的作品里。马萨乔(Masaccio，1401—1428)继承和发展了乔托的艺术传统，出色地解决了乔托所提出的绘画上的一些重大课题，他以科学的探究精神，将解剖学、透视学的知识运用于绘画。代表作有壁画《纳税钱》和《出乐园》等。
修道士画家安日里科(Fra Angelico，1387—1455)
善于用细腻恬静的笔调、轻快透明的色彩来表现人物和环境。他是用所谓的“纯洁”和“清静”的灵感来从事艺术创造的。《受胎告知》是他为重新修建的圣马可修道院绘制的一组壁画之一。画面上整洁清晰的开敞柱廊，显出合符理性的空间透视，来报告喜讯的天使象玛利亚一样，仪态雍雅，彬彬有礼，一股柔和温雅的情调，随着画面偏暖的色调以及漫射的光线布满了整个构图。
15世纪佛罗伦萨画派的大师是桑德罗•波提切利(Sandro
Botticelli，1444—1510)。其艺术特征是注重用线、平光造型，强调优美典雅的节奏和富丽的色彩。
1478年他为美迪奇别墅绘制了壁画《春》，题材选自诗人波利齐亚诺赞美维纳斯的长诗，整幅画都洋溢着春天的诗情画意，众神都有着颀长的身材，鲜明的轮廓线，微弱的明暗，而与这种欢乐气氛不相协调的是众神都显示出淡淡忧伤的表情。1485年波提切利创作了《维纳斯的诞生》，他用流畅的线条，表现出女神的秀美妩媚，画面色调明朗和谐，主人公同样是幽怨惆怅，这正是波提切利对现实惶惑不安的反映，同时这种纤巧、美丽、略带忧伤的情绪也符合贵族审美趣味。
15世纪北意画家中，帕都亚画家曼坦尼亚(Anelrea
Mantegna，1431—1506)为杰出代表。他早年曾受到乌切罗的透视法和同那太罗古典风格的影响，形成了坚实有力、准确细腻的表现手法。
柯雷乔(Antonio Correggio，1499—1534)
是意大利北部菲拉拉的著名画家。他以轻快流利、妩媚潇洒，并富于肉感的绚烂色彩为特征。他在帕尔玛大教堂圆屋顶画的巨幅壁画《圣母升天》画得淡泊而和谐，有腾空而起的感觉，显示了柯雷乔丰富的想象力和变化多端的构图意匠。
第二节 尼德兰文艺复兴早期的美术
尼德兰(现在的荷兰、比利时、卢森堡和法国的一部分)，很早即是欧洲西北部水陆交通和贸易中心之一。在15世纪尼德兰美术中，绘画成就便显得非常突出了。由于尼德兰绘画是从传统的细密画发展而来的，所以16世纪绘画的风格就是细致、写实，在追求精细的色彩表现中，使用了胶粉画上罩上油彩的办法，即所谓的油—胶粉画法。
杨•凡•埃克(Yang van Eych,1380、1390之间—1441)
创作的《根特祭坛画》是尼德兰早期文艺复兴杰出的代表作，具有里程碑的意义。根特祭坛画主体部分是《羊的崇拜》，作品中人物形象端庄自然，栩栩如生，花草景物绚丽多彩充满生机。在这幅作品中画家热烈的赞颂了人类与大自然，对现实世界采取了肯定的态度。根特祭坛画不仅在思想内容和艺术形式的处理上有革新和独创意义，而且在技法上也有所发展，画面色彩鲜艳，在数百年后的今天仍不减其光辉，这与画家使用了改进的油画有关。
杨•凡•爱克还是出色的肖像画家，画中的人物性格鲜明。《阿诺佛尼夫妇像》在整个西方肖像艺术中占有特别的位置，以情节性处理和人物内心准确的表达等成就，成为杰作。他笔下展示了现实世界丰富多彩的景象和现世人的生活，冲破了中世纪禁欲主义，体现了人文主义观念，为尼德兰文艺复兴开辟了道路。
希罗尼穆斯•博斯(Hieronymus
Bosch，约1450—1516)的艺术在15世纪末、16世纪初尼德兰绘画中独树一帜。在他的《愚人船》、《拨除愚蠢的结石》、《魔术师》、《地上享乐之园》、《稻草车》、《圣安东尼的诱惑》等作品中，对社会的恶德、教会的罪行，封建统治的残酷黑暗进行了揭发和讽刺，表现出他是一个具有进步人文主义思想的画家。
第三节 欧洲文艺复兴盛期的美术
文艺复兴盛期的美术家在人文主义思想的影响下，创造出了许多歌颂生活、歌颂英雄的画幅和雕像。他们借神话题材来表现人间的现实生活，对人的无穷创造力进行赞美，表现人对生活充满乐观与信心。这时期的艺术家把技法研究和科学实验结合起来，不仅对艺用解剖学、透视学有较深入地研究，对明暗关系和色调关系也有了准确的把握。绘画、雕刻逐步摆脱对建筑物的依附关系，重新成为独立的艺术门类。
莱奥纳多•达•芬奇(Leonardo da Vinci，
1452—1519)是整个文艺复兴时期最卓越的代表人物之一，他的天才不仅限于艺术，在数学、机械工程、医学、地质、生物等学科都有重要的设想和发现。在绘画理论方面，著有《绘画论》，把解剖、透视、明暗和构图等零碎的知识，整理成为系统的理论，对后来欧洲绘画发展影响很大。
达•芬奇出生于佛罗伦萨附近的芬奇镇。1482年，达•芬奇第一次去米兰，投奔米兰大公摩罗，以建筑师、军事工程师、雕刻家和画家的身份为大公服务了17年。这期间，达•芬奇不仅创作了一些重要美术作品，在科学研究、水利工程、城防建筑和军事技术等方面也有出色的贡献。《岩间圣母》和为圣玛利亚•代拉•格拉契修道院食堂所作的壁画《最后的晚餐》即是这时期的作品。达•芬奇还为米兰大公的父亲雕塑了一尊骑马像，因法军入侵，最终没翻制成铜像。
1499年由于法军入侵米兰，摩罗逃亡，达•芬奇回到佛罗伦萨，在1503—1506年间，完成了举世名作《蒙娜丽莎》。1506年春，达•芬奇回到米兰，在以后的年代里，他绘制了《丽达与天鹅》、《施洗约翰》、《圣安娜与圣母》，从这些作品里可以看出芬奇在艺术创作道路上已度过了他的顶峰。
达•芬奇的一生，是为科学、为艺术奋斗的一生。他多方面的才能，不仅为我们留下一批珍贵的艺术遗产，而且在科学史上也写下了光辉的篇章。他的成就和影响远远超出他所处的时代。文艺复兴产生了达•芬奇这样伟大的人物，不仅是意大利人民的骄傲，也是整个人类的骄傲，他的艺术将永远成为全世界人民的共同财富。
米开朗琪罗•邦内罗蒂(Micholangelo
Buonarroti,1475—1564)是雕刻家、画家、建筑家和诗人。他的艺术风格不象达•芬奇那样充满着科学精神与哲理的思考，而是在艺术作品上倾注于自己满腔悲剧性的激情。
1496—1501年，米开朗琪罗在罗马研究古代建筑和雕刻，并完成了两件圆雕《酒神巴库斯》和《哀悼基督》。《哀悼基督》在艺术上达到了炉火纯青的境地，以致当时许多人不相信是出自一个无名气的年轻人之手。1501年后，米开朗琪罗回到佛罗伦萨，著名的《大卫》雕像即是这时期的代表作，他以一个热情的爱国志士的感情，把这个神话中的少年英雄塑造成一个刚毅不屈的战士。这个大卫已不同于圣经传说中的那个战胜巨人孩童，而是具有高大雄健体魄，充满英雄气概的祖国保卫者，突出地体现了人文主义精神。1508—1512年间，米开朗琪罗应教皇朱理二世的委托，创作了西斯廷教堂的天顶画《创世纪》。
朱理二世死后，新任教皇利奥十世命米开朗琪罗设计朱理二世的陵墓，这项工程前后耗费了米开朗琪罗数十年时间，《摩西》和两个奴隶像是其中最出色的作品。
在美狄奇小礼拜堂遗留下的雕像中，最令人注意的是《晨》、《暮》、《昼》、《夜》四个裸体雕像。它从多方面揭示了当时意大利社会的悲剧性，揭示了艺术家的内心痛苦和彷徨。
祭坛画《最后的审判》是米开朗琪罗最重要的绘画作品，从1534—1541年花费了6年的时间，画于西斯廷礼拜堂。这件作品可以看成米开朗琪罗对历史所作的裁判，对人生的总结。画面由200多个跃动飞舞的人体组成，
以排山倒海之势、雷霆万钧之力，谱写了一首宏伟嘹亮的震撼人心的交响乐。
拉菲尔•桑蒂(Raphael
Santi，1483—1520)出生于安布里亚。早期在贝鲁吉诺的工场学习，后来他的画面上始终洋溢明净的色彩、柔和的光线和宁静而优雅的节奏感，都得益于他所受的早期教育。
1508年拉菲尔到了罗马，雕刻家、建筑家布拉曼特把他推荐给教皇，为梵蒂冈教皇宫绘制三幅巨型壁画：《雅典学派》、《文艺之山》、《圣典争论》。拉菲尔充分发挥了自己的才能，赋于这些宗教神话题材以强烈的世俗性质，这些壁画具有史诗般的宏伟规模，奠定了拉菲尔在罗马的声誉。
拉菲尔是善于描绘女性的画家，在拉菲尔的笔下，圣母形象体现了人间妇女纯洁、善良、美丽、端庄的品质，是脱去了宗教外衣、不显灵光呼吸在人间的女性。他的圣母像在早期与后期也有所不同，在到罗马之前，他笔下的圣母是平民型的，体现出慈爱、善良、温顺的高尚品质，引起人们对生活的憧憬。到罗马之后，他笔下的圣母形象逐渐趋向于“女王式”，脱去了平民的气氛，而逐渐庄重、威严，令人有崇敬之感。在拉菲尔的圣母像中，最著名的是1515年画于西斯廷教堂的圣母像，史称《西斯廷圣母》。整个画面用诗一般的平易近人的艺术语言，表现了优雅、和谐、轻快而流畅的旋律，体现了人文主义理想。拉菲尔对美的孜孜不倦的追求对后世产生了巨大影响，他所确立的美的样式成为后来古典主义学院派的标准之一。
威尼斯在15世纪成为地中海沿岸最大的商业中心，油画技法的运用，丰富了绘画的艺术语言和色彩的表现力。世俗的题材使画家们把目光转向美丽的自然风光，舒适豪华的生活带来一种享乐主义的情调，富裕起来的商人、市民开始收藏、陈列艺术品，这一切都使威尼斯画派的艺术家为意大利文艺复兴演奏出了一段华丽的终曲。
乔凡尼•贝利尼(Giovanni
Bellini，1430—1516)被认为是威尼斯早期最卓越的画家。从乔凡尼的学生乔尔乔纳(Giorgione，1476—1510)
开始威尼斯画派向全盛时期的过渡。他虽然早逝，但以非凡的天才开创了一代画风。乔尔乔纳诗一般的画面，并不是单纯一种优美的视觉效果，而是有丰富的人文主义内涵，如《三个哲学家》、《暴风雨》和《沉睡的维纳斯》。
提香(Titian，1487或1490—1576)的创作差不多贯穿了整个16世纪，他一生虽然得到威尼斯上层社会的“恩庞”，但其创作思想都是倾向于进步的。从早期作品《天上的爱和人间的爱》‘牧歌式的情调，宁静优美的大自然风景，人物的娴雅和沉思的微妙精神状态。
提香的艺术具有一种特殊的内在力量，主要在于他肯定了人的精神生活和肉体生活的丰富多彩，这正是当时人文主义者的理想与渴望，提香在许多作品中，都贯穿着这种精神。《巴库斯与阿丽阿德涅》、《花神》、《酒神的狂欢》、《抹大拉的玛利亚》标志着提香的创作旺盛时期到来，画面上热烈的感情和气氛，丰富鲜艳的色彩、强烈浓郁的生活味与诗意、急速活泼的人体动态、对健康肉体的赞美、对人的生命力的表现等，所有这些，形成了提香与众不同的艺术风格。
提香在描绘权贵人物时，深刻地揭露这些人的个性特征，如《保罗三世》和《保罗三世与其孙儿们》等。到了晚年，提香的内心充满着不安的情绪，画面上的笔触显得凝重，色彩也更加单纯，好象预感到意大利文艺复兴黄金时代的结束，这种情绪反映在《丹娜伊》和《哀悼基督》(1573—1576)这类作品上。
委罗内斯(Paolo Veronese，1528—1588)可以说是意大利文艺复兴时期肯定生活的现实主义优良传统的最后代表人物之一。他通过一系列圣经中的宴会场面的描绘，表现了当时威尼斯上层社会的豪华奢侈的生活。《利米家的宴会》、《加那的宴会》、《格里戈里的宴会》都是规模宏大的聚宴场面。
丁托莱托(Tintoretto ，1518—1594)
是威尼斯画派的最后一位大师。他的画具有规模宏大的构图，复杂激烈的人物动态，并在整个画面充满了急速的节奏与强烈的运动感。他常常运用异乎寻常的透视角度来表达人物的动势，如《圣马可的奇迹》和《发现圣马可的尸体》等。无论描绘男性《巴库斯》或是描绘女性《阿丽阿德涅》、《出浴的苏珊娜》，都具有丰满清晰的轮廓，起伏跃动的肌肉，在健美的肉体上还带有柔和的气质。
文艺复兴盛期美术在尼德兰也有突出成就。老彼得•勃鲁盖尔(Pietr
Brueghel,约1525—1569)的艺术即产生在尼德兰革命酝酿和爆发时期。他成熟时期作品中充满热情地塑造了许多尼德兰农民的形象，如《农民舞蹈》、《农民婚礼》，刻画了他们豪放的性格，展示了他们充沛的活力。
勃鲁盖尔在发展尼德兰的风景画方面也作出了突出贡献。他喜欢选取全景式构图，描绘美丽纯朴的田园景色，具有开阔的意境。如他的田园风景组画：《收割》、《牧归》、《冬猎》、《暗日》等，表现了一年四季的自然风光与农民劳动，情景交融，生机盎然，都是尼德兰农村景色与生活的动人写照。
德国文艺复兴时期最伟大的画家是阿尔布雷希特•丢勒(Albrecht Durer,1471—1528)，同达•芬奇一样，
他是整个欧洲文艺复兴时期最伟大的代表人物之一。他不仅是画家、铜版画家、雕塑家、建筑师，还在建筑与绘画理论方面有著作出版。标志着丢勒版画艺术高峰的是他于1514年间所作的三幅铜版画：《骑士、死神和魔鬼》、《圣哲罗姆在书斋中》和《忧郁》，三幅内容不同都贯穿着一个题意，即科学、理性战胜了中世纪天主教会的愚昧和无知。
德国文艺复兴第二代画家小汉斯•贺尔拜因(Hans Holbein,1497—1543)是杰出的肖像画家、版画家。
他的大量肖像画中，最可贵的是一些人文主义学者肖像，如《包尼法吉斯•阿美尔巴赫像》、《鹿特丹的伊拉斯谟》等。1526年起贺尔拜因先后去安特卫普及英国。1536年起，贺尔拜因成为英王亨利八世的宫廷画家，制作了一系列出色的肖像画。他是那个时代北欧最著名的肖像画家，其作品描绘了对象的高贵、静穆与专注。
文艺复兴运动是指14世纪下半叶到16世纪首先在意大利开始而又遍及欧洲各地的一次文化变革。“文艺复兴”的原意是“在古典规范的影响下，文学和艺术的复兴”。实际上文艺复兴作为欧洲历史上的一个伟大转折点，其含义还要宽广得多。在经历了封建教会势力的一千多年统治后，人们开始挣脱精神上的奴役，被禁锢多年的古典文化又重新引起人们的重视，并成为驱散中世纪的黑暗、建立新型的资产阶级文化的重要武器。资本主义生产方式的出现不仅动摇了中世纪的社会基础，也确立了个人的价值，肯定了现实生活的积极意义，促进了世俗文化的发展，并在此基础上形成了与宗教神权文化相对立的思想文化——人文主义。
第一节 意大利文艺复兴早期的美术
乔托(Giotto，约1266—1337)是佛罗伦萨画派的创始人，
也是文艺复兴意大利艺术的伟大先驱者之一。乔托的艺术是中世纪与文艺复兴的分界线，他不仅表现出卓越的绘画技巧，同时也奠定了文艺复兴艺术的现实主义基础。
约在1420年，佛罗伦萨的三位著名大师——建筑家布鲁涅列斯基、雕刻家同那太罗和画家马萨乔首先制定了现实主义原则，标志着文艺复兴的来临。
在绘画方面，意大利文艺复兴的现实主义原则首先明确地体现在佛罗伦萨画家马萨乔的作品里。马萨乔(Masaccio，1401—1428)继承和发展了乔托的艺术传统，出色地解决了乔托所提出的绘画上的一些重大课题，他以科学的探究精神，将解剖学、透视学的知识运用于绘画。代表作有壁画《纳税钱》和《出乐园》等。
修道士画家安日里科(Fra Angelico，1387—1455)
善于用细腻恬静的笔调、轻快透明的色彩来表现人物和环境。他是用所谓的“纯洁”和“清静”的灵感来从事艺术创造的。《受胎告知》是他为重新修建的圣马可修道院绘制的一组壁画之一。画面上整洁清晰的开敞柱廊，显出合符理性的空间透视，来报告喜讯的天使象玛利亚一样，仪态雍雅，彬彬有礼，一股柔和温雅的情调，随着画面偏暖的色调以及漫射的光线布满了整个构图。
15世纪佛罗伦萨画派的大师是桑德罗•波提切利(Sandro
Botticelli，1444—1510)。其艺术特征是注重用线、平光造型，强调优美典雅的节奏和富丽的色彩。
1478年他为美迪奇别墅绘制了壁画《春》，题材选自诗人波利齐亚诺赞美维纳斯的长诗，整幅画都洋溢着春天的诗情画意，众神都有着颀长的身材，鲜明的轮廓线，微弱的明暗，而与这种欢乐气氛不相协调的是众神都显示出淡淡忧伤的表情。1485年波提切利创作了《维纳斯的诞生》，他用流畅的线条，表现出女神的秀美妩媚，画面色调明朗和谐，主人公同样是幽怨惆怅，这正是波提切利对现实惶惑不安的反映，同时这种纤巧、美丽、略带忧伤的情绪也符合贵族审美趣味。
15世纪北意画家中，帕都亚画家曼坦尼亚(Anelrea
Mantegna，1431—1506)为杰出代表。他早年曾受到乌切罗的透视法和同那太罗古典风格的影响，形成了坚实有力、准确细腻的表现手法。
柯雷乔(Antonio Correggio，1499—1534)
是意大利北部菲拉拉的著名画家。他以轻快流利、妩媚潇洒，并富于肉感的绚烂色彩为特征。他在帕尔玛大教堂圆屋顶画的巨幅壁画《圣母升天》画得淡泊而和谐，有腾空而起的感觉，显示了柯雷乔丰富的想象力和变化多端的构图意匠。
第二节 尼德兰文艺复兴早期的美术
尼德兰(现在的荷兰、比利时、卢森堡和法国的一部分)，很早即是欧洲西北部水陆交通和贸易中心之一。在15世纪尼德兰美术中，绘画成就便显得非常突出了。由于尼德兰绘画是从传统的细密画发展而来的，所以16世纪绘画的风格就是细致、写实，在追求精细的色彩表现中，使用了胶粉画上罩上油彩的办法，即所谓的油—胶粉画法。
杨•凡•埃克(Yang van Eych,1380、1390之间—1441)
创作的《根特祭坛画》是尼德兰早期文艺复兴杰出的代表作，具有里程碑的意义。根特祭坛画主体部分是《羊的崇拜》，作品中人物形象端庄自然，栩栩如生，花草景物绚丽多彩充满生机。在这幅作品中画家热烈的赞颂了人类与大自然，对现实世界采取了肯定的态度。根特祭坛画不仅在思想内容和艺术形式的处理上有革新和独创意义，而且在技法上也有所发展，画面色彩鲜艳，在数百年后的今天仍不减其光辉，这与画家使用了改进的油画有关。
杨•凡•爱克还是出色的肖像画家，画中的人物性格鲜明。《阿诺佛尼夫妇像》在整个西方肖像艺术中占有特别的位置，以情节性处理和人物内心准确的表达等成就，成为杰作。他笔下展示了现实世界丰富多彩的景象和现世人的生活，冲破了中世纪禁欲主义，体现了人文主义观念，为尼德兰文艺复兴开辟了道路。
希罗尼穆斯•博斯(Hieronymus
Bosch，约1450—1516)的艺术在15世纪末、16世纪初尼德兰绘画中独树一帜。在他的《愚人船》、《拨除愚蠢的结石》、《魔术师》、《地上享乐之园》、《稻草车》、《圣安东尼的诱惑》等作品中，对社会的恶德、教会的罪行，封建统治的残酷黑暗进行了揭发和讽刺，表现出他是一个具有进步人文主义思想的画家。
第三节 欧洲文艺复兴盛期的美术
文艺复兴盛期的美术家在人文主义思想的影响下，创造出了许多歌颂生活、歌颂英雄的画幅和雕像。他们借神话题材来表现人间的现实生活，对人的无穷创造力进行赞美，表现人对生活充满乐观与信心。这时期的艺术家把技法研究和科学实验结合起来，不仅对艺用解剖学、透视学有较深入地研究，对明暗关系和色调关系也有了准确的把握。绘画、雕刻逐步摆脱对建筑物的依附关系，重新成为独立的艺术门类。
莱奥纳多•达•芬奇(Leonardo da Vinci，
1452—1519)是整个文艺复兴时期最卓越的代表人物之一，他的天才不仅限于艺术，在数学、机械工程、医学、地质、生物等学科都有重要的设想和发现。在绘画理论方面，著有《绘画论》，把解剖、透视、明暗和构图等零碎的知识，整理成为系统的理论，对后来欧洲绘画发展影响很大。
达•芬奇出生于佛罗伦萨附近的芬奇镇。1482年，达•芬奇第一次去米兰，投奔米兰大公摩罗，以建筑师、军事工程师、雕刻家和画家的身份为大公服务了17年。这期间，达•芬奇不仅创作了一些重要美术作品，在科学研究、水利工程、城防建筑和军事技术等方面也有出色的贡献。《岩间圣母》和为圣玛利亚•代拉•格拉契修道院食堂所作的壁画《最后的晚餐》即是这时期的作品。达•芬奇还为米兰大公的父亲雕塑了一尊骑马像，因法军入侵，最终没翻制成铜像。
1499年由于法军入侵米兰，摩罗逃亡，达•芬奇回到佛罗伦萨，在1503—1506年间，完成了举世名作《蒙娜丽莎》。1506年春，达•芬奇回到米兰，在以后的年代里，他绘制了《丽达与天鹅》、《施洗约翰》、《圣安娜与圣母》，从这些作品里可以看出芬奇在艺术创作道路上已度过了他的顶峰。
达•芬奇的一生，是为科学、为艺术奋斗的一生。他多方面的才能，不仅为我们留下一批珍贵的艺术遗产，而且在科学史上也写下了光辉的篇章。他的成就和影响远远超出他所处的时代。文艺复兴产生了达•芬奇这样伟大的人物，不仅是意大利人民的骄傲，也是整个人类的骄傲，他的艺术将永远成为全世界人民的共同财富。
米开朗琪罗•邦内罗蒂(Micholangelo
Buonarroti,1475—1564)是雕刻家、画家、建筑家和诗人。他的艺术风格不象达•芬奇那样充满着科学精神与哲理的思考，而是在艺术作品上倾注于自己满腔悲剧性的激情。
1496—1501年，米开朗琪罗在罗马研究古代建筑和雕刻，并完成了两件圆雕《酒神巴库斯》和《哀悼基督》。《哀悼基督》在艺术上达到了炉火纯青的境地，以致当时许多人不相信是出自一个无名气的年轻人之手。1501年后，米开朗琪罗回到佛罗伦萨，著名的《大卫》雕像即是这时期的代表作，他以一个热情的爱国志士的感情，把这个神话中的少年英雄塑造成一个刚毅不屈的战士。这个大卫已不同于圣经传说中的那个战胜巨人孩童，而是具有高大雄健体魄，充满英雄气概的祖国保卫者，突出地体现了人文主义精神。1508—1512年间，米开朗琪罗应教皇朱理二世的委托，创作了西斯廷教堂的天顶画《创世纪》。
朱理二世死后，新任教皇利奥十世命米开朗琪罗设计朱理二世的陵墓，这项工程前后耗费了米开朗琪罗数十年时间，《摩西》和两个奴隶像是其中最出色的作品。
在美狄奇小礼拜堂遗留下的雕像中，最令人注意的是《晨》、《暮》、《昼》、《夜》四个裸体雕像。它从多方面揭示了当时意大利社会的悲剧性，揭示了艺术家的内心痛苦和彷徨。
祭坛画《最后的审判》是米开朗琪罗最重要的绘画作品，从1534—1541年花费了6年的时间，画于西斯廷礼拜堂。这件作品可以看成米开朗琪罗对历史所作的裁判，对人生的总结。画面由200多个跃动飞舞的人体组成，
以排山倒海之势、雷霆万钧之力，谱写了一首宏伟嘹亮的震撼人心的交响乐。
拉菲尔•桑蒂(Raphael
Santi，1483—1520)出生于安布里亚。早期在贝鲁吉诺的工场学习，后来他的画面上始终洋溢明净的色彩、柔和的光线和宁静而优雅的节奏感，都得益于他所受的早期教育。
1508年拉菲尔到了罗马，雕刻家、建筑家布拉曼特把他推荐给教皇，为梵蒂冈教皇宫绘制三幅巨型壁画：《雅典学派》、《文艺之山》、《圣典争论》。拉菲尔充分发挥了自己的才能，赋于这些宗教神话题材以强烈的世俗性质，这些壁画具有史诗般的宏伟规模，奠定了拉菲尔在罗马的声誉。
拉菲尔是善于描绘女性的画家，在拉菲尔的笔下，圣母形象体现了人间妇女纯洁、善良、美丽、端庄的品质，是脱去了宗教外衣、不显灵光呼吸在人间的女性。他的圣母像在早期与后期也有所不同，在到罗马之前，他笔下的圣母是平民型的，体现出慈爱、善良、温顺的高尚品质，引起人们对生活的憧憬。到罗马之后，他笔下的圣母形象逐渐趋向于“女王式”，脱去了平民的气氛，而逐渐庄重、威严，令人有崇敬之感。在拉菲尔的圣母像中，最著名的是1515年画于西斯廷教堂的圣母像，史称《西斯廷圣母》。整个画面用诗一般的平易近人的艺术语言，表现了优雅、和谐、轻快而流畅的旋律，体现了人文主义理想。拉菲尔对美的孜孜不倦的追求对后世产生了巨大影响，他所确立的美的样式成为后来古典主义学院派的标准之一。
威尼斯在15世纪成为地中海沿岸最大的商业中心，油画技法的运用，丰富了绘画的艺术语言和色彩的表现力。世俗的题材使画家们把目光转向美丽的自然风光，舒适豪华的生活带来一种享乐主义的情调，富裕起来的商人、市民开始收藏、陈列艺术品，这一切都使威尼斯画派的艺术家为意大利文艺复兴演奏出了一段华丽的终曲。
乔凡尼•贝利尼(Giovanni
Bellini，1430—1516)被认为是威尼斯早期最卓越的画家。从乔凡尼的学生乔尔乔纳(Giorgione，1476—1510)
开始威尼斯画派向全盛时期的过渡。他虽然早逝，但以非凡的天才开创了一代画风。乔尔乔纳诗一般的画面，并不是单纯一种优美的视觉效果，而是有丰富的人文主义内涵，如《三个哲学家》、《暴风雨》和《沉睡的维纳斯》。
提香(Titian，1487或1490—1576)的创作差不多贯穿了整个16世纪，他一生虽然得到威尼斯上层社会的“恩庞”，但其创作思想都是倾向于进步的。从早期作品《天上的爱和人间的爱》‘牧歌式的情调，宁静优美的大自然风景，人物的娴雅和沉思的微妙精神状态。
提香的艺术具有一种特殊的内在力量，主要在于他肯定了人的精神生活和肉体生活的丰富多彩，这正是当时人文主义者的理想与渴望，提香在许多作品中，都贯穿着这种精神。《巴库斯与阿丽阿德涅》、《花神》、《酒神的狂欢》、《抹大拉的玛利亚》标志着提香的创作旺盛时期到来，画面上热烈的感情和气氛，丰富鲜艳的色彩、强烈浓郁的生活味与诗意、急速活泼的人体动态、对健康肉体的赞美、对人的生命力的表现等，所有这些，形成了提香与众不同的艺术风格。
提香在描绘权贵人物时，深刻地揭露这些人的个性特征，如《保罗三世》和《保罗三世与其孙儿们》等。到了晚年，提香的内心充满着不安的情绪，画面上的笔触显得凝重，色彩也更加单纯，好象预感到意大利文艺复兴黄金时代的结束，这种情绪反映在《丹娜伊》和《哀悼基督》(1573—1576)这类作品上。
委罗内斯(Paolo Veronese，1528—1588)可以说是意大利文艺复兴时期肯定生活的现实主义优良传统的最后代表人物之一。他通过一系列圣经中的宴会场面的描绘，表现了当时威尼斯上层社会的豪华奢侈的生活。《利米家的宴会》、《加那的宴会》、《格里戈里的宴会》都是规模宏大的聚宴场面。
丁托莱托(Tintoretto ，1518—1594)
是威尼斯画派的最后一位大师。他的画具有规模宏大的构图，复杂激烈的人物动态，并在整个画面充满了急速的节奏与强烈的运动感。他常常运用异乎寻常的透视角度来表达人物的动势，如《圣马可的奇迹》和《发现圣马可的尸体》等。无论描绘男性《巴库斯》或是描绘女性《阿丽阿德涅》、《出浴的苏珊娜》，都具有丰满清晰的轮廓，起伏跃动的肌肉，在健美的肉体上还带有柔和的气质。
文艺复兴盛期美术在尼德兰也有突出成就。老彼得•勃鲁盖尔(Pietr
Brueghel,约1525—1569)的艺术即产生在尼德兰革命酝酿和爆发时期。他成熟时期作品中充满热情地塑造了许多尼德兰农民的形象，如《农民舞蹈》、《农民婚礼》，刻画了他们豪放的性格，展示了他们充沛的活力。
勃鲁盖尔在发展尼德兰的风景画方面也作出了突出贡献。他喜欢选取全景式构图，描绘美丽纯朴的田园景色，具有开阔的意境。如他的田园风景组画：《收割》、《牧归》、《冬猎》、《暗日》等，表现了一年四季的自然风光与农民劳动，情景交融，生机盎然，都是尼德兰农村景色与生活的动人写照。
德国文艺复兴时期最伟大的画家是阿尔布雷希特•丢勒(Albrecht Durer,1471—1528)，同达•芬奇一样，
他是整个欧洲文艺复兴时期最伟大的代表人物之一。他不仅是画家、铜版画家、雕塑家、建筑师，还在建筑与绘画理论方面有著作出版。标志着丢勒版画艺术高峰的是他于1514年间所作的三幅铜版画：《骑士、死神和魔鬼》、《圣哲罗姆在书斋中》和《忧郁》，三幅内容不同都贯穿着一个题意，即科学、理性战胜了中世纪天主教会的愚昧和无知。
德国文艺复兴第二代画家小汉斯•贺尔拜因(Hans Holbein,1497—1543)是杰出的肖像画家、版画家。
他的大量肖像画中，最可贵的是一些人文主义学者肖像，如《包尼法吉斯•阿美尔巴赫像》、《鹿特丹的伊拉斯谟》等。1526年起贺尔拜因先后去安特卫普及英国。1536年起，贺尔拜因成为英王亨利八世的宫廷画家，制作了一系列出色的肖像画。他是那个时代北欧最著名的肖像画家，其作品描绘了对象的高贵、静穆与专注。
第3个回答 2019-12-21
文艺复兴时都没说，三姐分别为达芬奇和米开朗琪罗，还有LOFTER他们三个人画风是不一样的。画风主要体现在一些石船中，微生物在风格和技法上更注重色彩的协调与自然不拘一格文艺复兴，美术方面就是创立了透视画法。在做饭的题材上，古希腊神话题材取代了基督教体彩成为主流文艺复兴，其实就是复兴古希腊文化，而古希腊就是强调人性自由解放。
第4个回答 2019-12-23
这包括了人的感观,人的信仰,人的性欲,以及人的世界观
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