André Kertész、《亚历山大•卡尔德与马戏团的像》、1929、黑白照片、18×24厘米。
亚历山大·卡尔德：巴黎时光， 1926-1933
真正去理解亚历山大•卡尔德（Alexander Calder）其实很难。人们将他置于二十世纪的雕塑神殿内，这一地位雷打不动，但他并不完全符合常规的学院叙事法则，从毕加索的“吉他”,到大卫•史密斯（David Smith）, 再到极简主义以及其它。卡尔德称得上是那一时代最受喜爱的艺术家之一，但以完全严肃的视点去看待他并不容易。虽然，他曾经被允许可以随意给Braniff飞机彩绘（想到近来艺术界逐渐倾向于壮丽奇观的缔造，他的这番商业举动还是很有先见性的），但他的创作依然溜进了装饰艺术的框架中。尽管卡尔德的作品是公共艺术的重要组成部分，但人们很少去思考这些作品的起源。这太令人惭愧了，因为他的作品可称得上独一无二的。日前，在惠特尼美国艺术馆举办的《亚历山大•卡尔德：巴黎时光， 1926-1923》（“Alexander Calder: The Paris Years, 1926-1933”）, 将卡尔德迥异过人的艺术敏感力置于历史的语境去进行展示，揭开了他后期以及类似作品的创作源头。
1926年到1933年之间，卡尔德大部分时间都在巴黎。他的艺术家父母曾经也在那里居住过，家庭的这番经历，也许更增添了这位好奇而充满野心的美国年轻人对巴黎的向往，觉得自己应该来到这个众人向往的文艺之都。在他前往巴黎前，曾是学习机械工程的学生，做过插图师，画家。小时候，他喜欢用金属格和金属线做些好玩的小动物和玩具，让自己和家人开心。离开美国之前，他还出了一本书《做动物》 (1926)（Sketching Animals）, 教大家怎么做小动物，这本书不仅讲述了日后创作的方法，也体现了他对动物王国的深深喜爱。而他内在的绘画天赋可从未离他远去。他就好像一个“金属线漫画家”一样，做了很多公共人物（Calvin Coolidge, Jimmy Durante）以及他在巴黎艺术圈所遇到的人们(费尔南德•莱热，阿米蒂•奥泽方，若安•米罗等)的头像。这些图像既像街头素描，又类似罗马的半身雕像。1929年他在一个名为《Montparnasse-Where the Muses Hold Away》的新闻影片中出现，用金属线做了当时巴黎艺术界一位重要的艺术人物Kiki的头像。彼时，“金属线圈男”的名声早已传播开来。
除了肖像外，卡尔德那天马行空的想象力在题材上也跨越边缘艺术的方方面面，比如神秘的场景，动物，体育人物，以及他最爱的这些雕塑在规模和复杂性上各异，如1928年的《赫邱利和狮子》（Hercules and Lion）, 《春天》（Spring）, Romulus and Remus，规模相当大，艺术家的勃勃野心在此彰显无疑。《赫邱利和狮子》是一件引人深思的作品。这件作品从天花板上吊下来，表达了人兽之间残忍的争斗，它也体现艺术家日后的创作中一个重要的特点。这件雕塑失去了所有叙事意义，充满活力，犹如一团线条结成的抒情云状物。卡尔德在巴黎创作的第一组金属线雕塑是黑人歌唱家约瑟芬•贝克(Josephine Baker)的人像，当时在法国，他可是大明星，也是受欢迎的性别象征。卡尔德在创作贝克时，“性别”和“象征”并不那么一致，就如这一时期他所做的很多男性杂技演员一样，普遍缺少雄健的力度。与毕加索和马蒂斯不同的是，对于表现常规意义的性征和感官，他并没太多兴趣，尽管从某种程度而言，二者所描绘的感观世界和卡尔德有相似之处。卡尔德艺术作品中，性欲似乎只被表现成一种普通而简单的享乐。1930年的作品《猪》中，两头猪在交配。体积更大的雄猪是用较重的线做成的，以胜利的姿态仰天嚎叫。无遮挡的线架令母猪内部的解构一览无余，在可见性之外，人们不仅看到了作品的表面，还看到了它的结构。当然，在卡尔德的所有的线状作品中，并不是都有如此的哲学考究的，1929年的这两件较为低调的作品除外，《鱼缸》 和《金鱼缸》，这两件作品在哲学深度都有的一说。通过一条单独的线表现出三种物质（液体，固体和生物），形成了一曲微妙而多面的诗，这也是反直觉的一种创作，人们可以一直看下去读下去，但是又无法完全理解。
追问谢谢~看不到图~请问你是在哪找的？